天山月亮明 290cm×180cm 纸基颜色 2018
李雪松：我是如何创造天山月明的
《天山月明》的创作，是我第一次在西藏3000多米的雪线上看到盛开的雪百合。当时在蓝天雪峰的背景下，圣洁顽强的生命力雪莲给了我非常深刻的印象。当我回来时，我开始一遍又一遍地思考雪衬的工作。雪莲花是一种非常奇特的高山植物，它分布在中国的高寒地带，生长在山雪线附近的岩缝、石墙和砾石滩。雪莲花的品种很多，天山雪莲是最美的。在文学、影视作品中，也有各种形式的雪百合表演。在这张图片中，我用石绿色的平底背景法来补充月亮和雪莲花的圣洁，在主花描绘中突出了雪莲的形状，同时穿插了一系列高山植物，描绘了与雪百合共生，如红天，野罂粟，水母雪莲， 等等，它们形成了雪山之间完整的生命共同体，相互依存，和谐共生。
天山文明延伸的话题
一个非常好的职业生涯
画家这个职业，是一个非常美丽的职业，可以用自己的眼睛去观察，用心去体验，用画笔向世人展示，我觉得是很有意义的事情。
我的祖父和父亲都喜欢中国画，我的父亲是一名美术老师，所以我从小就受到家庭的影响，并在我几年的时候开始学习绘画。长大后，他进入中央美术学院附属，严格而系统地学习素描色彩等绘画基础。进入中央美术学院中国画系后，根据自己的喜好，学习了花鸟画专业，开始真正系统地学习花鸟画的传统，随后又在中央美术学院临沂、素描、创意三位一体的教学体系学习。在学习期间，我参观了宋人花鸟画，了解宋画严谨而宽广。后来，来自郭轶轩的老师们，画了一系列热带主题作品，在学习过程中，任博年、郭美玉、潘天寿等人对我的绘画产生了很大的影响。
自然物体是原始而宏伟的
去海南、云南后，我对植物的兴趣落在了热带雨林上，因为雨林景观美不胜收，自然物材原始而宏大。我非常喜欢永乐宫的壁画，但也很多，那种大面积的形状和线条关系在热带植物中更容易找到。自然条件造成植物差异，寒带树木多为落叶，温带为阔叶，以亚热带为，热带为常绿阔叶。我觉得雨林更适合中国画中心线的表演。
左：李雪松 右上：雨林创作 右下：雨林创作
永恒的，本体论
自2000年以来，我一直处于花鸟画的创作阶段近20年，因为我一直关注自然界生命的开始。我们现在应该崇拜宋代花鸟画，宋代花鸟画被公认为巅峰。我觉得宋代花鸟画最动人的地方在于它表现自然，没有人类干预的生活状态，这也是宋代花鸟画带给我的深刻启蒙。它描绘了一片无人区，一种没有人类痕迹的自然生态之美。
于是我就画了大片的花鸟，去了很多未受破坏的地方写字，比如东南亚和非洲的热带雨林、地中海沙漠、中国的西藏和西南部的一些地方......我在自然界中寻找这种生活状态，感受植物的原始状态。这也受到了郭毅义先生的野山花理论的影响。以花鸟画的探究和素描为主题，我认为创作是生活自然的真实之美，不同于人们给花鸟画的褶皱、花花。我在创作中展现了自然之美，他们体验到生与死的死亡，尝试用绘画来诠释生与死的转变，我认为植物生命永恒，有些东西的本体可以给人类带来一些新的思维。
《天生》《雨林》系列
多年来，我一直在制作两个系列，一个"Live"和一个"Rainforest"，涵盖了我十多年的工作。
首先是"雨林"系列，《雨林》是我和几位艺术家朋友多年来做的一个题材，我们现在已经把世界十大雨林放了一半以上，我觉得热带雨林离现代社会很远，离人类文明很远，完全处于一种自我存在、共生的状态。多年来我把花鸟画放在这个大背景环境中思考，画了很多大规模的绘画，植物共存、共生，形成了和谐、共生、相互依存的自然状态。
《天生》系列最早来自我上大学时在云南画竹子，竹子经过多年，老死人垂下来，新竹长出来，通过这种腐朽的衰老，不断成长，这种生命之间的转世，是我思考的主题。
赤道阳光 290cm×180cm 纸基颜色 2012
让每幅画都独一无二
我创作大型绘画，3-5米，是完全开放的，完全放松的状态来绘画，有时间出错可以有空间回去寻找改变的方法。绘画小画容易遇到因为尺寸小没有太多的回旋余地这个问题，一定是在画画前设计的地方，在画画的过程中没有太多改变的机会。小画表现题材不算太多，对于题材的选择也有要求，有的题材确实不适合画小，画局部。中国本土植物，是一个常见的传统主题，适合小尺寸来体现它们的美感。古老的传统主题一方面有其寓意，另一方面，它也是植物本身的形状有利于表现，有其有益的造型因素。因此，无论画作的大小如何，每幅画的主题和意图都是不同的，尽量使每幅画都独一无二，形式更加丰富。
时代，个人
中国画本身是高度概括的，里面有很多抽象的、形象的东西，必然会有时代，个人的审美品味存在。你看《千里山图》，王希萌画这幅画，还那么年轻，不到20岁就画得这么好，这是一个时代，一个时代绘画不是一个人的能力，一个传统叠加的时代达到了这样的高度。你看米开朗基罗、贝尼尼，都很年轻的时候就有非常惊人的作品，这是时代的力量，艺术的巅峰是一群大师造就的。所谓创新，就是在原有历史的基础上，又增加了新的枝叶。能够正视历史，并幸运地在数千年的历史中留下一点点，真是太好了。
绘画本身就是一个技术问题
中国人说，技术是人传承的，不是靠技术传承的，技术必须变成自己有效的，也要适用于行。就像那一年的冰雪景观技术一样，东北景观树的表现很合适，然后有人画南极或者别的什么，就有点吓人了。
"技术"首先是技巧和技巧，"道"可能是所有事情操作的真理。艺术等行业，其他行业可能没有"技术"，有一种顿悟去体验"道"。但绘画本身就是技术问题，技术首先是掌握技能和技巧，掌握了最初的基础才上升到"道"水平。而绘画就是给人一种视觉上的展示，如果没有足够、扎实的表达方式，可能就没有办法承载你内心的"道"存在。
风超过290cm×180cm纸基颜色2018
中国风味和节奏
我觉得中国美术可能与西方不同，很多中国美术的门槛都比较高，比如京剧、中国画，我们常说一句话叫"不在生意上"。就像中国画的线条一样，经过长时间的训练，才能掌握一条干、湿、干、湿、厚、轻、升、气韵的线条，所以我觉得这一类中国画是需要经过严格的传统训练。
我作品的色彩精髓，脱胎于中国传统的色彩体系，我曾创作过永乐宫壁画、敦煌壁画、宋代花鸟画，中国色彩体系本身就具有独特的审美元素，我们称之为石清、石绿、珠沙，即中国传统丹清，是选用了独特的中国美学， 并具有独特的中国审美气质，图片中所用的色彩自然具有中国风味和韵律，因此我的绘画色彩的来源还是中国传统的宋元色彩体系。
笔和笔
我一直在思考的问题是写作和写作。我认为有可能书写和笔这两个概念是不相等的，书写是一种绘画状态，而笔是一种绘画技巧，或者说是一种技术表现形式，我更习惯于说笔和笔，书写和现实，两者是平等的。既然是绘画，那么自然就不同了，除非写得现实，即使写真实的艺术作品和自然还是不一样的。毕竟，绘画是通过人类思维思考而创造的新事物。书写意思是绘画所必需的，高水平的艺术作品一定有文字，我们去研究宋代绘画，很多时候太在意如何制作画效果，多少次，但如果几次能达到效果，为什么去染20次，很多次宋代大师有很强的力量， 可能用在图片中只显示三点，从整体上表情来说，这已经足够了，这还是功夫和能力的问题，他功夫达到了，自然有一种放松的效果。中国艺术是书写的，这也是一种文化基因。
雨林深泽 290cm×180cm 纸基颜色 2020
诗歌和遥远
我喜欢高晓松的一句话："人生不仅在苟的眼前，更是诗意而遥远。"我觉得诗歌和距离还是要有的，理想是一件美好而雄心勃勃的事情，对你的人生有激励作用。如果一个东西，一个目标离你太远了，它并不理想，是幻想，白日梦，这件事一定也和你有一定的关系，经过努力才能获得，这个可能的过程的实现，是有意义的。如果没有理想，人们就会陷入眼前的琐碎，太渺小，太局限。我记得有一次去西藏，经过历经千辛万苦才到达那里，面对如此广阔而鲁莽的高原，突然觉得我之前生活中的很多东西都太渺小了。中国自古以来都在说"读万册，千里行"，你没有很宽广的视野，很多小问题都会把你绊倒，你没去过遥远的世界，你怎么知道世界还存在这样的地方。绘画也是如此，潘天寿先生在《论绘画的残余》中说："高雅艺术，终于在境界了。在领域层面，一步一步地一天。虽然近在咫尺，但往往生活艰辛，不一定是做梦。"如果没有潘天寿，傅保石这样一位大胆、勇敢的艺术家，创造出一种新的艺术形式，谁能想到艺术，也能像这样啊！"
没有伟大的洞察力，就不可能有伟大的思想和远见。
对我影响最大的是宋画
对我影响最大的是宋画。我参观过很多宋画，最重要的一幅是崔白的《双喜地图》，是读书时念的第二张宣书。还有一幅台北故宫博物院藏宋的《美珠鸟图》，我从绘本和临沂看到的，原来没见过。画面比"双喜鹊"更大，画面描绘得更丰富。当张大千在台北故宫博物院看到这幅画时，他说可能是崔白的。我后来也一路研究崔白，《梅珠居鸟图》的形状确实与崔白的作品相似，树鸟的形象也非常相似。但这张照片可能不止一个屏幕，也许是四个屏幕中的一个。鸟是单一的，构图不完整，而且高2米多，宽1米多，也许是屏风之一。当然，也可能是分开的，因为它已经存在了很长时间，安装过程中两边的截断部分。歌曲画在最常见的全景或屏幕，春、夏、秋、冬四景都有可能。
小个体构成大趋势
我从潘天寿的画作中学到了很多东西，或者从潘先生的"当当山花"的影响中学到了很多东西。潘先生画了很多，内容很复杂。但潘建伟在浙江画的是温带植物，这些植物不像热带雨林那样茂密。我研究了他对图形趋势的整体把握，他用他画的植物的个体，以及个体的所有叶子、树枝、茎和点，形成了一种趋势和脉络，这样就不会乱七八糟。他强调，小人物构成大势所趋，所以潘先生的画很大，趋势也很流畅，万物都能联系在一起。任博年也是一样，"群仙希望生活"在这样一个复杂的事情的侧面，他可以完全统一在一个趋势中不无序，是同样的原因。这就像你把韭菜堆在一起，很乱，但你把它们捆起来，按顺序，不再。
寻找生产线的性能
我大概从小学一年级就开始画临沂古籍的线条，从顾伟的《李女仁志》地图卷，到唐代的《颜国玉淳画》，小时候基本上每天都要画几幅，所以一路往下，我对传统线条有了一定的把握。掌握了生产线后，请寻找生产线的性能。
我认为线条是区分中国艺术与西方艺术的重要因素，这可能与钢笔的使用有很大关系，钢笔一直延续到绘画中，变成线条和线条。我画了很多热带植物，植物有很多复杂的线条组合，线条和线条之间的边界，再加上干、湿、厚、轻的笔，形成了一种生机勃勃的印象。
小宫扇很好，大画写得更多。当然，对线条的要求，线条的本质是相同的，但在不同的材质、不同的图片中却有不同的表达和使用方法。笔的线条，要画出它的结构、形状，滴答作响后，有丰富的步骤——染色、盖染、双钩等来补充它，画面的丰富性可以做后面的渲染补充。但写在纸上的大纲是写Ty迫不及待的挫折，因为纸上没有后来的补充方法。如果它像笔线一样光滑，那么背面就没有太多的东西可以丰富。所以上面的大图，要把线干湿浓重反射，笔尽可能多样化。
本文内容选自北京画院《一幅画的诞生》
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沙海绿洲 290cm×180cm 纸基颜色 2016
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结果是290cm×180cm纸基彩色2020
海风 290cm×180cm 纸基颜色 2019
发现大自然最真实的美丽
温/李雪松
对热带雨林的关注源于中国雨林艺术研究所，由我的同学张健博士创立。多年来，志同道合的艺术家和我走遍了世界各地的热带雨林，如马达加斯加的婆罗洲，非洲，亚马逊丛林，并计划明年前往巴布亚新几内亚。
之所以选择热带雨林主题进行绘画，是因为这里的自然环境较少受到外界的干预和破坏，可以说是最纯净的生态系统。热带雨林中的生物不是人造的，它们的竞争是与生俱来的，由自然的进化决定。我认为这种平衡是世界上最真实的美丽。中国花鸟画从宋代兴起就受到"文画"的影响，往往被赋予人的意志，表达人的品格。这种转变，一方面将花鸟画提升到"整形"的哲学层面，另一方面也使自然生物失去了真正的美。我一直在想：宋代文化水平高，画技的精髓是众所周知的，但为什么宋画取得了如此高的成就，却很少有人深入思考呢？我认为，当时的自然生态给人的感觉是非常重要的一个内在原因。因此，虽然宋画很好，但也有山林的野生兴趣。
经过几年的雨林探索和生活，我发现每个大陆的植物都有自己独特的外观，有些植物种类相似，不同的地区会产生不同的替代品。例如，非洲的优势物种也出现在美洲，只是它们的形状略有变化。我不怕路，寻找世界上最密集、最复杂的自然生态，目的是验证和体验古人所见过的真面目。
有人问我，为什么在创作时，我用更多的金纸来绘画。原因很简单，为了色彩协调。当我展示花朵时，我使用浓重的颜色，当我用纸呈现它们时，我总是感觉不好。完成纸画后，白色背景上会出现非常明亮的画面，我想偏离效果。后来，我在金色或彩色纸上创作，画面和谐。
金币在中国古代绘画中很常见。只是因为大画不利于保存，所以现在流传下来的比明、清、民国时期的小作品还要多。金色音符上的颜色非常优雅，自然协调。在文人画兴起之前，这种绘画工艺已经有了很好的技术方法，达到了一定的高度，但是由于后来被归为寺院精神，气息璀璨，逐渐成为"工匠"的作品，使这门艺术已经没有很好的传承，失去了应有的风格。
在体验了世界上最真实的热带雨林之后，我对中国花鸟画的创作有了新的认识。欧洲古典绘画也涉及植物和动物，大多称为山水画。中国画以书写其业务，具体化为人，最好，确实达到了很高的高度。运用文学、哲学融入绘画并表现出完美的理想状态，这就是中国画的优势所在，确实比一些简单的西方素描有着深刻的意义。当然，西方绘画也有其生动的地方。我记得去过马达加斯加的国家森林公园，保护区的外墙用非常简单的油漆涂上，有植物和动物的图像，形状不专业，但灵活而迷人。因此，要将本质最真实的状态融入到绘画中，冲淡"造型"的哲学，画面往往能给人一种身临其境的感觉。这就是为什么我喜欢雨林画。
雨林简 108cm×25cm×3 金箔 2020
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瑞士花系列 33cm × 29.5cm 纸基颜色 2020
李雪松，1975年生于辽宁省沈阳市。1996年毕业于中央美术学院，2000年毕业于中央美术学院中国画系，2002年毕业于中央美术学院郭一华鸟画安徒生绘画项目。现为北京画院专职画家、中国美术家协会会员、中央文史博物馆研究员、中国画学会理事、国家级艺术家、雨林艺术研究院常务理事、北京市高级职称评审委员会委员。 北京市工钢笔再彩协会会员。
资料来源：当代岭南