钟章法：画匠、画家、大师的区别​画匠、画家、大师的区别

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|贝尔章法

很多人说，现在的中国画界是"'画家'走在街上，'大师'在天上飞翔"。五六岁的孩子可以画几幅儿童画，被称为"小画家";学习绘画一年半的年轻人称自己为"画家";甚至离职的退休人员也可以画一些，他们的地位立即转变为"画家"。为什么人们如此热衷于"画家"的称号？除了对绘画的热爱和绘画修养的目的之外，更多的是看到绘画可以卖钱这一点。绘画不仅可以从中获利，还可以显得优雅，为什么不呢？

街道上到处都是画家，这是一件好事吗？我们应该从两面看这个现象：一方面，这说明我们正处于太平的鼎盛时期，从事绘画的人数众多，艺术产业也繁荣起来，但另一方面，这也表明公众对中国画这一民族艺术的认识还很肤浅， 缺乏敬畏，尤其是对中国画艺术创作的难点没有很好的理解。画家泛滥、鱼龙混杂，无所不顾，都会严重影响中国画的发展。

从古至今，大多数从事绘画工作的人都是以绘画技巧养家糊口，能成为合格画家的人并不多，大多数只能算作画家。从画家到画家需要付出一生的辛勤劳动，经过漫长的实践过程才能实现，而从画家到师傅更是很难说"几百年难走出一个"并不算太多。有人做过统计，目前有各种各样的身份画家大约五十万人，而被称为真正的画家也是上百人，出名的只有几十人，大师更是少之又少。

在绘画职业中，从事绘画的人可以分为画家，画家和画家，这些级别有不同的专业水平要求和评价标准。什么样的人可以被称为画家？《新华字典》对"家"一词的解释是"具有一定专业知识或具有丰富实践经验并从事特定活动的人"，画家被解释为"专门从事绘画（图画，图案）的人"。看来画家这个"家"字，还是有一定的分量。画家将"旧时代解释为缺乏艺术性的画家"，而大师则"在学术或艺术上成就卓著"，通常是指"先进且受人尊敬的学者，专家，艺术家，棋手等"。吴冠中曾说过："画家去找艺术家的很少，大多是画家，能出版作品，为了名利，忙着生存，没有做过学问。越来越少的人和其他人一样努力工作。吴先生的"所有人"，或许就是通往大师之路上真正的画家。

绘画艺术不仅仅是绘画的技巧和技术，而是一种广泛而深刻的知识。要成为一名合格的画家，我们需要有才华、悟性和才华，我们需要经历自然和社会的磨难，我们必须努力学习，不断实践，还要坚持艺术的理想和追求，坚定不移。

要成为一名画家，你必须从画家开始

向传统和自然学习是画家必须采取的方式，这是打好基础和成名的关键。

中国画是民族文化的重要组成部分，在其漫长的发展过程中，经过几代画家的不断创作，从艺术形式、笔墨构图到题材内容、情绪创作，已经形成了比较完整的艺术体系。人物的线条素描方法，风景的方法，花鸟的绘画方法，前辈们都努力过，总结了系统的创作经验和方法，方法。初学者除了入门之外，还需要学习传统的创意程序，学习前辈和其他人的绘画方法。而这个过程往往需要十年零八年的时间，走捷径，一次性是不可能的。

学习传统可以使我们立足于前人的基础上，看得更远，对艺术创作的把握更强，更加成熟。但并不是所有的传统节目都适合当今的表演需求和个性化的创意追求，我们需要思考、吸收、识别、放弃。如果画家不去分析和把握传统的学习，就很容易陷入传统的泥潭，永远不敢走出半步。各代人都有一大批画家在古老的篱笆上，背负着传统风格的重担，按照规则走自己的艺术生活。同样，向他人学习，不独立思考，只能是他人的影子。吴昌硕、齐白石等大师都说过"学我生，学我死"这样的话。因此，如果只是在模仿、抄袭中，没有自己独特的创作，虽然生活忙碌，但很难有自己的目的作品，这样的人应该被称为画家，还是画家？

向大自然学习是创作中国画的唯一途径。大自然是艺术和艺术家的摇篮，世界不美，没有水，泰山、华山、黄山、桂林......祖国的大江大山充满了美丽的信息。走向自然，走向现实社会，是中国文艺界从古至今一直倡导的，也是文艺创作的根本途径。

艺术创作是将自然之美带入作品的艺术吗？你能像照片一样画画吗？答案当然是否定的。但今天，这种创作方法在画家中相当流行。有人介绍了这些做法之一：到大自然中拍一些照片，然后结合一些图像素材，通过合成构图的画面构图，然后用投影机放大到纸上，开始制作，花了几个月或更长时间，经过反复描摹、渲染，一个致密、精细， 华丽的作品诞生了。这种自然的外表美在银幕上，摄影比功能，自然场景比制作作品更美，因为符合大众的审美，相当能得到普通人的赞誉，也能得到一些各个年龄段的收藏家，甚至在一些中国画展上评选，很多评委都会愿意为它投票......

本次展览是风向标，这种绘画方法，绘画风能得到认可并入展览奖，引得不少画家效仿。随着时间的推移，描述自然美的创作趋势逐渐被广泛接受，其负面影响值得我们反思。摒弃了《我为一、塑造神》等艺术特色，将绘画创作作为一种抄袭性生产，将中国画美学变成浅薄、大众甚至庸俗的境地，要打消艺术应有的崇高价值和意义，这风不变，中国画独特的民族特色的生存和发展前景令人担忧。

如果艺术创作停留在前辈绘画中你画什么，别人怎么画你怎么画怎么画，没有个人的艺术思想，不能创造出这种层次独特的个人外观的作品，怎么能被称为"画家"呢？同样，向自然学习，却画上了自然物一样的一种，没有整合个体主观的精神思想，缺乏对艺术创作本质的把握，这种所谓的创作只能算作停留在"主人"层面，而真正意义上的"家"还有很远的距离。

画家的"家"字应该有其真实内容

中国画几千年的发展史，是许多创新画家的创作史，是中华民族在民族艺术上伟大创造力的鲜明体现。在每一位画家和大师身上，我们都能看到其独特的创作一面。历史悠久，深厚的传统是一个优势，也给我们未来的创新带来了困难，以前的绘画已经达到了很高的高度，我们要添加一些新的元素并不容易。但每个时代都应该有每个时代的创造，历史上没有一个伟大的创造可以取代我们新时代的创造。

纵观艺术史上的著名画家，我们可以发现，虽然每个人的创作过程和家庭过程都不一样，但有一点是一样的，那就是他们各自走自己的路，有不同的艺术观念、表达方式和笔墨语言。因此，我们这个新时代的画家也应该有自己的艺术思想，看待问题和思考问题的视角应该与别人不同，特别是在以前，别人忽视或未解决的问题去思考，去突破。目前，理论和创作界有一个现象值得关注，那就是大多数理论家和画家一般从笔墨技术层面去探索，而对人的内涵、精神境界、学术价值等创新问题关注较少，或者不够深入。我的观点是，大部分作品缺乏学术价值，根本原因在于思想的深度和高度不够，主题的内容空洞，精神内涵不足，首先要解决"重形式，轻内涵"的问题。在形式研究和实践取得巨大进步的基础上，能否提高人文精神，开辟艺术新境界，是检验一个画家是否合格的主要标准之一。

如前所述，如果不向传统和自然学习，很容易成为无根的木材，被动的水。要成长为真正的画家，首先要有一定的文化修养，其次，我们需要技术，再一次需要有洞察力。所谓文化修养，就是读的书不多，能背诵大量的古诗，能写一点诗句，能被宣传为一种文化，关键是要能"文字与文化"，能用在艺术上的修养。比如诗歌修养，不仅可以在银幕上写诗，而且要用中国画的艺术形式，用笔墨语言创造诗意，实现"画中有诗，诗中有画"，让作品富有艺术性、哲学性，给仰慕者带来无限的想象空间。因此，阅读是一件好事，也是能够在创作中运用的，否则，即使读一辈子的书，拿一个医生，晋升为教授，被称为国家科学家，也很难成为一名画家。所谓技术，不是抄袭以前的人，别人画水墨的技巧，而是通过多年的实践，从传统、自然中抽取自己的笔墨语言和创作方法，为自己的艺术表现服务。所谓洞见，这是成为画家的关键，它涉及的字数范围很广，很难用几句话说清楚，下一次采访要举例说明。

比如山水画创作，没有用心是关键。为什么几千年来传统山水画没有大的创新和发展？关键在于其情绪表现是否相对固定、单一、趋向模式。古人大多喜欢向世展示，隐藏的思想，更表现为一座小桥流水的人和"可行、有希望、可游泳、可居住"的桃花源状的静态情绪。这种情绪表现被模仿和复制了几千年，成为大多数山水画家所遵循的固定模式。这种理念所创造的外行，精神内涵的重复原因，一千人一面，一刀切，可以称为艺术创作吗？徐伟、石涛、八山人、李克染等人被称为"大师"，很大程度上是因为在前辈的境界中突围。因此，不能走出以前的想法，不能突破以前人们的情绪藩篱，中国山水画的创新发展最终是空谈。

具体来说，风景画家想要阅读10，000册书籍，旅行里程，自然，生活。画家走进大自然，不能像普通游客一般去看马赏花，而是要用心去感受大自然，用情感去理解自然。以绘画黄山之歌为例，黄山之歌的美人人都能感受到，如果画家只能找到黄山之歌的形态美，描述自然外观之美，只能算作艺术创作的较低层次;

中国传统美学认为，人性存在于宇宙中，开花不是有意为之，流水也是无情的，似乎与人无关。但作为一名画家，面对各种黄山松树，面对五颜六色的自然，内心深处不可避免地会被激起强烈的感情，主观情感与客观形象的融合，创作的激情从这种迸发而来。画家可以赋予天地万物以人性、自然客体为人的精神表达和情感支撑的客体。艺术创作是符合人性和心灵结构的，使星辰如日月、山、花鸟的流淌都带有感情的色彩、思想的印记。因此，自然是美的，但其美若不能融入主观情感，缺乏人文精神，就是画得更加逼真，作品也会因缺乏情感而失去审美价值，更具艺术价值。可以说，如果一个画家不能进入触感场景生活、情境融为一体、天人合一的境界，就很难成为一名合格的画家。

在技术层面，前辈们的传统技术、笔墨都是根据自己的表现内容，表达情感需求而创造的。"笔墨随处生成"，每个人面对的主题内容，表达的情感思想是不同的，风格化、图案化的笔墨技术如何才能"把所有的大海都放好"？如果艺术家的精神创作自由受到风格化技术的束缚，必将导致中国画的发展走向死胡同。为了提炼个人的笔墨语言，同样需要理解，需要在理解自然事物和精神世界的同质性中探索"天人合一"，研究意义与图像的联系，既要找到"形象"的写照，又要找到笔墨语言"意义"的表达。"自然分割"和"发自内心的绘画"的辩证统一，是画家技艺成熟的标志。

中国画是一种系统的学习。缺乏个人的艺术思想，个人的思维方式，个人的创作方法，很难创作出好的作品。所以，真正可以被称为画家的人并不多。

画家要求自己达到大师的巅峰

每一个有使命感的画家，都有崇高的艺术理想和追求。对大师的高度要求属于自己，应该是艺术家的艺术生涯中一直践行的规范。吴冠中说的"画家去艺术家的很少"的观点，我同意。一个画家要进入艺术家（大师）层次，除了要比画家拥有更全面的素质外，更重要的是要考虑到个人的得失，才能经受住人生的磨难，立足于中国画发展的最前沿，着眼于问题，解决问题，愿意为中国画这一民族文化财富的发展而努力。

从画家到大师，首先要有对艺术理想的奉献，不能盲目地从公众的艺术思想出发，必须有与他人不同的事物观，要树立大思维、大视野、大风范、大格局的艺术观念。这样的人，应该成为艺术巅峰时期虔诚的朝圣者和孤独的思想家，以孤独的意志承受生活的孤独，有勇气独自走在艺术人生的道路上，并在这种精神孤独的状态下去寻求和理解精神世界中的快乐和痛苦。

纵观艺术史，大多数真正的文学家在他们的生活中没有高尚的社会地位，他们从痛苦中走出来。的确，没有人生道路的艰难，就很难有深刻的思想认识，不会有毛发感;诗人传播了数千年的杰作，音乐家震耳欲聋的旋律，画家划时代的作品，大多数创作者在头发的感觉之后经历了孤独和痛苦。比如，八座山人经历了人生的剧变，遭受了底层生命的痛苦，只为能够创造出少数几个却能展现出深刻而激动人心的精神内涵，具有穿越世界的时空魅力。石涛也经历了类似的命运，只写了一篇具有里程碑意义的画论《苦瓜僧画语录》，其"一画"理论震耳欲聋，冲击了当下。八山人，石涛等人在艺术上取得了前所未有的成就，之后又很难成功，是名副其实的巨人大师。

近代，也有不少山水画家在艺术创新的道路上，在继承传统山水画模式的基础上，探索传统未解决的空白和历史问题，努力正视困难，不开阔，另一种方式，用毕生的精力创造一种不同于传统的形式， 独特的艺术个人外观，并从实践到理论形成独立的艺术思想体系。但这样的艺术家毕竟在艺术界，往往在世上却无法被外界认可、忽视、掩埋。"虽然辛苦，把沙子吹成金子"，但我希望在新时代，艺术家独特的艺术创作能够起到引领艺术发展的早期作用。

在铜臭味弥漫、价值判断模糊不清的环境中，艺术几乎成了赚钱的工具，名利已经侵蚀了一些文化人的思想，又有多少人愿意真正区分画家和画家的界限？还有有多少人关心中国画的创新和发展？但是，我们相信，中华民族是一个具有强大创造力的民族，在任何时代、任何情况下，总会有一些人为艺术的发展默默地发展。希望越来越多的画家从画家到画家，从画家到大师，让中国画这件国宝继续屹立在世界艺术的森林中，永远闪耀。