世界上最古老的公共艺术博物馆，你知道几个？

自古以来，许多最优秀的艺术都代表着对财富或权力的刻意展示，通常是通过使用大规模和昂贵的材料来实现的。许多艺术是由政治统治者或宗教机构委托制作的，只有社会上最富有的人才能获得更朴素的版本。[93]

尽管如此，在许多时期，就所有权而言，在社会的大部分地区都可以获得非常高质量的艺术，尤其是在诸如陶器等廉价媒体中，它仍然存在于地下，以及易腐烂的媒体中，例如纺织品和木材. 在许多不同的文化中，美洲土著人民的陶瓷在如此广泛的坟墓中被发现，以至于它们显然不限于社会精英，[94]尽管其他形式的艺术可能已经存在。模具等繁殖方法使大规模生产变得更加容易，并被用于将高品质的古罗马陶器和希腊Tanagra 雕像推向非常广阔的市场。气缸密封件兼具艺术性和实用性，在古代近东可以被粗略地称为中产阶级的人广泛使用。[95]一旦硬币被广泛使用，它们也成为一种达到最广泛社会的艺术形式。[96]

另一项重要的创新出现在 15 世纪的欧洲，当时版画始于小型木刻，主要是宗教性的，通常非常小且手工上色，即使是农民也能负担得起，他们将它们粘在家里的墙壁上。印刷书籍最初非常昂贵，但价格稳步下降，直到 19 世纪，即使是最贫穷的人也能买得起一些印刷插图。[97] 几个世纪以来，许多不同种类的流行版画装饰了家庭和其他地方。[98]

巴塞尔艺术博物馆（瑞士）是世界上最古老的公共艺术博物馆。

1661年，瑞士巴塞尔市开设了世界上第一个公共艺术博物馆——巴塞尔艺术博物馆。今天，它的收藏以令人印象深刻的广泛历史跨度而著称，从 15 世纪初到现在。它的各个重点领域使其成为同类博物馆中最重要的博物馆之一。其中包括：1400 至 1600 年间活跃在上莱茵地区的艺术家的绘画和素描，以及 19 至 21 世纪的艺术。[99]

公共建筑和纪念碑，无论是世俗的还是宗教的，就其性质而言，通常面向整个社会和作为观众的游客，而向公众展示长期以来一直是其设计的重要因素。埃及神庙的典型之处在于，最大和最奢华的装饰被放置在公众可以看到的部分，而不是只有祭司才能看到的区域。[100]王宫、城堡和社会精英的住宅的许多区域通常都可以进入，而且这些人的大部分艺术收藏品经常可以被任何人看到，或者被那些能够支付少量费用的人看到，或者穿着正确衣服的人，无论他们是谁，比如在凡尔赛宫，可以从外面的商店租用适当的额外配件（银鞋扣和剑）。[101]

特别安排让公众可以看到许多皇家或私人收藏品放置在画廊中，就像奥尔良收藏品主要位于巴黎皇家宫殿的一个侧翼，可以在 18 世纪的大部分时间参观。[102]在意大利，Grand Tour的艺术旅游从文艺复兴时期开始成为主要产业，政府和城市努力使他们的主要作品易于访问。不列颠皇家收藏仍然与众不同，但旧皇家图书馆等大笔捐款都是从它捐赠给成立于 1753年的大英博物馆。佛罗伦萨的乌菲兹美术馆1765年完全作为画廊开放，虽然这个功能在很长一段时间以前已经逐渐从原来的公务员办公室接管了这座建筑。

[103]现在马德里普拉多所占据的建筑是在法国大革命之前建造的，用于公开展示部分皇家艺术收藏品，类似的皇家画廊向公众开放，在维也纳、慕尼黑和其他首都也存在。法国大革命期间卢浮宫博物馆的开幕（1793 年）作为许多前法国皇室收藏品的公共博物馆，无疑标志着公众接触艺术发展的一个重要阶段，将所有权转移给了共和国家，但这是已经确立的趋势的延续。[104]

大多数现代公共博物馆和在校儿童的艺术教育计划都可以追溯到这种让每个人都能获得艺术的冲动。然而，正如研究发现的那样，博物馆不仅为艺术提供了可用性，而且还影响了观众对艺术的感知方式。[105]因此，博物馆本身不仅是展示艺术的钝器，而且在现代社会对艺术的整体认知中发挥着积极而重要的作用。

美国的博物馆往往是富豪送给大众的礼物。（例如，纽约市的大都会艺术博物馆是由铁路主管约翰·泰勒·约翰斯顿（ John Taylor Johnston ）创建的，他的个人艺术收藏为博物馆提供了种子。）但尽管如此，至少在 21 世纪艺术的重要功能之一世纪仍然是财富和社会地位的标志。[106]

艺术家们曾试图创造出富人无法购买的艺术品作为地位对象。1960 年代后期和 1970 年代大部分艺术的主要原始动力之一是创造无法买卖的艺术。战后主要的德国艺术家约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）说，“有必要展示的不仅仅是物品” [107] 。这一时期见证了行为艺术、影像艺术和观念艺术等事物的兴起. 这个想法是，如果艺术品是一种不会留下任何东西的表演，或者只是一个想法，它就不能被买卖。“围绕艺术作品是商品这一理念的民主理念推动了美学创新，这种创新在 1960 年代中期萌芽并在整个 1970 年代收获。艺术家在概念艺术的标题下被广泛识别……替代表演和出版活动因为涉及绘画或雕塑形式的物质和物质主义关注……[已经]努力破坏作为对象的艺术品。” [108]

凡尔赛宫：Louis Le Vau开辟了内部庭院，创造了广阔的入口cour d'honneur，后来被复制到整个欧洲。

从那以后的几十年里，随着艺术市场学会了销售视频作品的限量版 DVD，这些想法已经有些失落，[109]独家表演艺术作品的邀请函，以及概念作品遗留下来的物品。许多这些表演创作的作品只有受过教育的精英才能理解，为什么一个想法或视频或一块明显的垃圾可以被视为艺术。地位的标志变成了理解作品而不是必须拥有它，艺术品仍然是一种上流社会的活动。“随着 2000 年代初期 DVD 刻录技术的广泛使用，艺术家和从艺术品销售中获得利润的画廊系统，获得了控制向收藏家出售限量版视频和计算机艺术品的重要手段。” [110]

争议

Théodore Géricault的美杜莎之筏，约1820 年

长期以来，艺术一直存在争议，也就是说，由于各种各样的原因，一些观众不喜欢艺术，尽管大多数前现代的争议都被模糊地记录下来，或者完全被现代观点所迷惑。偶像破坏是对艺术的破坏，由于各种原因，包括宗教原因，人们不喜欢它。Aniconism是对所有形象形象的普遍厌恶，或者通常只是宗教形象，并且一直是许多主要宗教的主线。它一直是伊斯兰艺术史上的一个关键因素，其中穆罕默德的描绘仍然特别有争议。许多艺术之所以不受欢迎，纯粹是因为它描绘或代表不受欢迎的统治者、政党或其他团体。艺术惯例通常是保守的，并且受到艺术评论家的重视，尽管更广泛的公众通常不那么重视。

艺术的图像内容可能会引起争议，就像中世纪晚期在耶稣受难的场景中描绘的圣母昏厥的新主题一样。米开朗基罗的《最后的审判》因各种原因引起争议，包括因裸体和阿波罗式的基督姿势违反礼仪。[111] [112]

历史上许多形式艺术的内容是由赞助人或专员决定的，而不仅仅是艺术家，但随着浪漫主义的出现，以及艺术生产中的经济变化，艺术家的视野成为他作品内容的通常决定因素。艺术，增加了争议的发生率，尽管往往降低了它们的重要性。对感知原创性和宣传的强烈激励也鼓励艺术家引发争议。Théodore Géricault的美杜莎之筏（约 1820 年）部分是对最近事件的政治评论。爱德华·马奈的Le Déjeuner sur l'Herbe（1863），被认为是可耻的不是因为裸体女人，而是因为她坐在男人旁边，穿着当时的衣服，而不是穿着古董世界的长袍。

[113] [114] 约翰·辛格·萨金特（ John Singer Sargent）的皮埃尔·高特罗夫人（X 夫人）（X 夫人）（1884 年）引发了一场关于用于为女性耳垂着色的红粉红色的争议，被认为过于具有暗示性，据说会破坏上流社会模特的声誉. [115] [116] 在 19 世纪和 20 世纪，自然主义的逐渐放弃和对主体视觉外观的现实表现的描绘导致了持续一个多世纪的滚动争论。

Joseph Beuys的表演，1978 年：每个人都是艺术家——走向社会有机体的自由主义形式。

在 20世纪，巴勃罗·毕加索的《格尔尼卡》 （1937 年）使用引人注目的立体主义技术和鲜明的单色油画，描绘了当代对一个古老的巴斯克小镇进行轰炸的悲惨后果。Leon Golub的《审讯 III 》 （1981 年）描绘了一名被绑在椅子上的裸体女性，戴着兜帽的被拘留者，她的双腿张开露出她的性器官，被两名穿着日常服装的折磨者包围。安德烈斯·塞拉诺（ Andres Serrano）的《小便基督》 （ Piss Christ，1989）是一张十字架的照片，对基督教来说是神圣的，代表着基督的牺牲和最后的痛苦，淹没在艺术家自己的尿液中。由此引起的骚动导致美国参议院对公共艺术资助发表评论。[117] [118]

理论

主条目：美学

在现代主义之前，西方艺术中的美学非常关注在现实主义或真理对自然和理想的不同方面之间取得适当的平衡；几个世纪以来，关于什么是适当的平衡的想法已经来回转移了。这种担忧在其他艺术传统中基本上是不存在的。美学理论家约翰·拉斯金（John Ruskin）拥护他所认为的J. M. W. Turner的自然主义，他认为艺术的作用是通过技巧来传达只能在自然界中找到的基本真理。[119]

自 20 世纪以来，对艺术的定义和评价尤其成问题。理查德沃尔海姆区分了三种评估艺术审美价值的方法：现实主义，即审美品质是独立于任何人类观点的绝对价值；客观主义者，因此它也是一个绝对值，但取决于一般的人类经验；以及相对主义 立场，即它不是绝对值，而是取决于不同人类的人类经验并随其变化。[120]

现代主义的到来

皮特·蒙德里安（ Piet Mondrian，荷兰，1872-1944年）的《红蓝黄组合》（1930 年

现代主义在 19 世纪后期的到来导致了艺术功能概念的彻底突破， [121]然后在 20 世纪后期随着后现代主义的出现再次出现。克莱门特·格林伯格1960 年的文章《现代主义绘画》将现代艺术定义为“使用一门学科的特色方法来批判学科本身”。[122]格林伯格最初将这一想法应用于抽象表现主义运动，并将其用作理解和证明平面（非幻觉）抽象绘画的一种方式：

写实、自然主义的艺术掩饰了媒介，用艺术掩盖了艺术；现代主义用艺术来唤起人们对艺术的关注。构成绘画媒介的限制——平面、支撑的形状、颜料的特性——被古代大师视为消极因素，只能含蓄或间接地承认。在现代主义下，这些同样的限制被视为积极因素，并被公开承认。[122]

在格林伯格之后，出现了几位重要的艺术理论家，如迈克尔弗里德、T.J.克拉克、罗莎琳德克劳斯、琳达诺克林和格里塞尔达波洛克等。虽然最初只是作为理解特定艺术家的一种方式，但格林伯格对现代艺术的定义对于 20 世纪和 21 世纪初各种艺术运动中的许多艺术思想都很重要。[123] [124]

像安迪·沃霍尔这样的流行艺术家通过包括并可能批评流行文化以及艺术界的工作而变得引人注目和有影响力。1980 年代、1990 年代和 2000 年代的艺术家将这种自我批评的技巧从高雅艺术扩展到所有文化形象制作，包括时尚形象、漫画、广告牌和色情作品。[125] [126]

杜尚曾经提出，艺术是任何种类的任何活动——一切。然而，今天仅将某些活动归类为艺术的方式是一种社会建构。[127]有证据表明这可能有一定的真实性。在《艺术的发明：文化史》中，拉里·夏纳考察了现代艺术体系的构建，即美术。他发现证据表明，在我们的现代系统（美术）之前的旧艺术系统认为艺术是任何熟练的人类活动；例如，古希腊社会没有艺术一词，而是技术。Techne 既不能被理解为艺术也不能被理解为工艺，原因是艺术和工艺的区别是后来出现在人类历史上的历史产物。Techne 包括绘画、雕刻和音乐，还包括烹饪、医学、马术、几何学、木工、预言和农业等[128]

新批评与“故意谬误”

在 20 世纪上半叶杜尚之后，发生了向一般美学理论的重大转变，试图将美学理论应用于包括文学艺术和视觉艺术在内的各种艺术形式之间。这导致了新批评学派的兴起和关于故意谬误的辩论。争论的焦点是艺术家创作艺术作品的审美意图，无论其具体形式如何，是否应该与对艺术作品最终产品的批评和评价联系起来，或者，如果艺术作品应该独立于艺术家的意图，根据其自身的优点进行评估。[129] [130]

1946 年，威廉·K·维姆萨特 ( William K. Wimsatt)和门罗·比尔兹利 ( Monroe Beardsley ) 发表了一篇经典且颇具争议的新批评文章，题为《故意谬误》，他们在其中强烈反对作者意图的相关性，或在文学作品分析中的“意图意义” . 对于 Wimsatt 和 Beardsley 来说，纸上的文字才是最重要的。从文本之外输入意义被认为是无关紧要的，并且可能会分散注意力。[131] [132]

在另一篇文章中，作为“故意谬误”的姊妹文章的“情感谬误”，Wimsatt 和 Beardsley 也将读者对文学作品的个人/情感反应视为分析文本的有效手段。这种谬论后来被来自文学理论读者反应学派的理论家所否定。具有讽刺意味的是，这所学校的主要理论家之一，斯坦利·菲什（ Stanley Fish），他自己也接受了新批评家的培训。费什在他 1970 年的文章“读者中的文学”中批评了维姆萨特和比尔兹利。[133] [134]

正如高特和利文斯顿在他们的文章《艺术的创造》中总结的那样：“结构主义和后结构主义的理论家和批评家对新批评的许多方面都提出了尖锐的批评，首先是强调审美欣赏和所谓的艺术自主性。 ，但他们重申了对传记批评假设艺术家的活动和经历是一个享有特权的批评主题的攻击。” [135]这些作者争辩说：“反意图主义者，例如形式主义者，认为艺术创作中涉及的意图与正确解释艺术无关或处于次要地位。因此，创作作品行为的细节，尽管可能令人感兴趣就其本身而言，与对作品的正确解释无关。” [136]

Gaut 和 Livingston 将意向主义者定义为与形式主义者不同，他们指出：“与形式主义者不同，意向主义者认为对意图的参考对于确定对作品的正确解释至关重要。” 他们引用理查德沃尔海姆的话说，“批评的任务是重建创作过程，而创作过程又必须被认为是不停止艺术作品本身，而是终止于艺术作品本身。” [136]

“语言转向”及其争论

20世纪末引发了一场广泛的辩论，称为语言转向争议，或艺术哲学中的“无辜之眼辩论”。这场辩论讨论了艺术作品的相遇是由与艺术作品的概念相遇相对于与艺术作品的感性相遇的相对程度决定的。[137]

决定艺术史和人文学科语言转向辩论的是另一个传统的作品，即费迪南德·德·索绪尔的结构主义和随之而来的后结构主义运动。1981年，艺术家马克·坦西创作了一件名为“无辜之眼”的艺术作品，以批评 20 世纪最后几十年艺术哲学中普遍存在的分歧气氛。有影响力的理论家包括朱迪思·巴特勒、卢斯·伊里加雷、朱莉娅·克里斯蒂娃、米歇尔·福柯和雅克·德里达. 海登·怀特探索了艺术史和历史话语中语言的力量，更具体地说，是某些修辞手法的力量。

语言不是一种透明的思想媒介这一事实已经被一种非常不同形式的语言哲学所强调，这种哲学起源于约翰·格奥尔格·哈曼和威廉·冯·洪堡的作品。[138] Ernst Gombrich和Nelson Goodman在他的著作《艺术语言：符号理论的方法》中开始认为，在 1960 年代和 1970 年代，与艺术作品的概念接触完全超过了与艺术作品的感知和视觉接触。[139]他在诺贝尔奖获得者心理学家罗杰·斯佩里（Roger Sperry）所做的研究的基础上受到挑战，该研究坚持认为，人类的视觉遭遇不限于仅以语言表示的概念（语言转向），并且其他形式的心理表征艺术作品同样可以辩护和证明。斯佩里的观点最终在 20 世纪末占了上风，尼克·赞格威尔（ Nick Zangwill ）等美学哲学家强烈捍卫回归温和的审美形式主义以及其他替代方案。[140]

分类争议

主条目：关于艺术的分类争议

Marcel Duchamp的原始喷泉， 1917 年，在 1917 年独立艺术家协会展览后由Alfred Stieglitz在291拍摄。斯蒂格利茨使用马斯登·哈特利( Marsden Hartley ) 的《勇士》背景来拍摄小便池。展览入口标签清晰可见。[141]

关于是否将某物归类为艺术品的争议称为关于艺术的分类争议。20 世纪的分类争议包括立体派和印象派绘画、杜尚喷泉、电影、钞票的最高级模仿、概念艺术和电子游戏。[142]哲学家大卫·诺维茨认为，关于艺术定义的分歧很少是问题的核心。相反，“人类在社会生活中的热情关注和兴趣”是“所有关于艺术的分类争论的一部分”。[143]根据诺维茨的说法，分类争议更多地是关于社会价值观和社会试图走向何方的争议，而不是关于理论本身的争议。

例如，当《每日邮报》批评赫斯特和艾敏的作品时，他们争辩说“一千年来，艺术一直是我们伟大的文明力量之一。今天，腌制的羊和肮脏的床威胁着我们所有人都是野蛮人”。提出关于艺术的定义或理论，但质疑赫斯特和艾敏作品的价值。[144] 1998 年，亚瑟丹托, 提出了一个思想实验，表明“作为艺术作品的人工制品的地位是由文化适用于它的想法产生的，而不是其固有的物理或可感知的品质。因此，文化解释（某种艺术理论）构成了一个物体的艺术性。” [145] [146]

反艺术是有意挑战艺术既定参数和价值的艺术标签；[147]这是与达达主义相关的术语，并在第一次世界大战之前归因于马塞尔·杜尚， [147]当他从发现的物品中制作艺术品时。[147]其中之一， 喷泉（1917），一个普通的小便池，在艺术上取得了相当大的影响和影响。[147]反艺术是Situationist International [ 148]低保真邮件艺术运动和英国年轻艺术家[ 147]的作品的一个特点尽管这是一种仍然被Stuckists拒绝的形式，[147]他们将自己描述为反反艺术。[149] [150]

建筑通常被列为视觉艺术之一；然而，就像装饰艺术或广告一样，它涉及到对象的创作，其中使用的实际考虑是必不可少的，例如，它们通常不在绘画中。[151]

价值判断

原住民空心原木墓葬。澳大利亚堪培拉国家美术馆。

在某种程度上，艺术一词也用于应用价值判断，例如“那顿饭是艺术品”（厨师是艺术家）、[152]或“欺骗的艺术”等表达方式。 ”（称赞骗子的技术水平很高）。正是这种将这个词用作衡量高质量和高价值的标准，才赋予了这个词以主观性的味道。做出价值判断需要批评的基础。在最简单的层面上，一种确定物体对感官的影响是否符合被视为艺术的标准的方法是它被认为是有吸引力的还是令人厌恶的。尽管感知总是被经验所影响，而且必然是主观的，但人们普遍认为，在某种程度上不能满足审美要求的东西不可能是艺术。然而，“好”的艺术并不总是或什至经常在美学上吸引大多数观众。换句话说，艺术家的主要动机不一定是追求审美。此外，艺术经常描绘出于社会、道德或发人深省的原因而制作的可怕图像。

例如，弗朗西斯科·戈雅描绘1808 年 5 月 3 日西班牙枪击案的画作描绘了一个行刑队处决了几名恳求的平民。然而与此同时，这些可怕的图像展示了戈雅在构图和执行方面的敏锐艺术能力，并引发了恰当的社会和政治愤怒。因此，关于定义“艺术”需要什么样的审美满足模式（如果有的话）的争论仍在继续。[153] [154]

新价值观的假设或对审美优越的公认概念的反叛不一定与完全放弃追求审美吸引力的同时发生。事实上，相反的情况往往是正确的，对普遍认为具有美学吸引力的事物进行修改可以重新激发审美敏感性，并对艺术本身的标准进行新的欣赏。无数流派提出了自己定义质量的方法，但它们似乎都至少在一点上达成了一致：一旦他们的审美选择被接受，艺术作品的价值就取决于其超越所选媒介限制的能力通过艺术家的罕见技巧或在所谓的时代精神。

艺术通常旨在吸引和联系人类情感。它可以唤起审美或道德情感，可以理解为传达这些情感的一种方式。艺术家表达一些东西，以便他们的观众在某种程度上被唤醒，但他们不必有意识地这样做。艺术可以被认为是对人类状况的探索；也就是说，做人是什么。[155]推而广之，艾米莉·L·斯普拉特（Emily L. Spratt）认为，人工智能的发展，尤其是在其与图像的使用方面，需要重新评估当今艺术史上的美学理论，并重新考虑人工智能的局限性。人类的创造力。[156][157]