在很多人眼裡，選秀舞台隻是一個暫時的舞台，離開這個舞台的同時，才是真正音樂生涯的起點，才是創造更新音樂精彩的開始。隻不過，雖然台下的歌迷懂的這個道理，近幾年的新人選手也越來越參透了這個真理，但最後的走向，卻常常事與願違。
最常見的結果，就是很多音樂新人，在選秀這個舞台呈現出自己音樂風格的精髓，但起點卻成了概括，以至于後來的發展，往往不是一種邊延續邊拓展的遞進，反而慢慢變成了複制黏貼。于是，出道即巅峰；也于是，出道既全部。
在這種大環境下，廖俊濤的音樂事業發展，不得不說是以一種反正常的方式進行。不管是推單曲還是推專輯，廖俊濤的每次亮相，都足夠給人一種意想不到的驚喜，至少是和他在選秀舞台上的風格呈現，有着别開生面的新體驗、新驚喜。
像去年的專輯《這個人》，廖俊濤以live現場的方式呈現音樂這一點，就足夠讓人意料之外。要知道用one take的方式錄制個人專輯，在整個華語樂壇的曆史上，都是難得一見的，迄今為止，也隻有張靓穎、林志炫等少數實力歌手，以這樣的方式挑戰自我。
而作為新人的廖俊濤，在第一張專輯裡，就能以同步錄音的方式呈現自己的作品，一是說明他對自己的音樂表達，有足夠的信心；另一方面，也說明他對于音樂的認知，是非常純粹與本質的。
與此同時，在《這個人》這張專輯裡的廖俊濤，還用電子、放克、後搖等方式，為自己的音樂世界樹立不同的意象與風景。你會發現，真正的廖俊濤，遠比《明日之子》舞台上新花初放的廖俊濤更精彩、更立體。這也是一個音樂人最具魅力的地方，他不會活在某種标簽之下，他永遠充滿未知和無盡的可能性。
《這個人》之後的單曲《休止符》，在豐滿的生活和情緒之下，滿滿的都是廖俊濤的敏感與靈氣，肆意靈巧的律動和輕松活潑的吟唱中，讓這首電子獨幕喜劇也充滿了睿智的煙火味。
轉眼之間，廖俊濤又将發行自己的新專輯《咬掉半口的蘋果》。5月28日首發的第一首單曲《死無對證》，雖然隻是簡單的三大件，卻構築起一個空靈卻充滿張力的情感空間。在有限的時間和空間裡，卻完成了一次最大化的情緒輸出和釋放。靜的回響、動的沖擊，都讓整首歌曲在收放之間，都呈現出巨大的能量。
然後又是這首新專輯的重推主打《無言以說》。這是一首情歌，卻又和你能夠想到的那些經典芭樂情歌不太一樣，雖然它叫《無言以說》，卻遠比一般的情歌——意蘊無窮。
從創作上來講，廖俊濤的這首《無言以說》，是一首典型的沉浸式創作。在聆聽的過程中，你不僅能夠感覺到他的呼吸、心跳，更可以看到他的那種無助、心痛，原本聽覺的感官認知，因為廖俊濤對于情緒極好的還原，而慢慢變成了一種可以感同身受的知覺，栩栩如生又立體生動。
與此同時，還因為廖俊濤在唱作的過程中在，自始至終有本我這個角色貫穿，并在這個基礎上還原并延伸音樂空間，最後才能真正達到歌手和聽者雙向的音樂沉浸。
作為一首當代的作品，廖俊濤的這首《無言以說》，也不再是詞曲和編曲分裂的存在。這首歌曲不僅僅由廖俊濤本人作詞作曲，還同時參與了編曲的過程。
因為參與設計了鋼琴部分的編曲，也讓廖俊濤的創作概念，可以延伸到編曲、直至滲透至整個音樂的氛圍，不僅主導了音樂的走向，更好地展現出他的音樂态度，并将抽象的态度具象化、藝術化，還讓詞曲和編曲變得你中有我、我中有你，作品也是以一氣呵成、渾然天成。
這種詞曲編曲唱融合為一體的呈現形式，也很像是alternative r&b的表現形式，不再是套用的編曲模式，所有的音樂氛圍和延伸，都來自于某個歌手聲線、某首音樂文本，這也讓作品有了真正意義上的獨特，而不僅僅隻是外在空殼般的獨特。
但《無言以說》肯定不是alternative r&b模式的套用，這是一首真正可以稱得上原創的作品，就是那種從無到有、從虛無到豐富、從白紙到世界的原！原創！
沒有形式上的主副歌之分，《無言以說》就是一首完整的作品，一氣呵成、沒有邊界、自成一格。
電子和環境音色的加入，讓作品有了那種科技時代的末日感，凄涼又無助。大提琴的加入，除了賦予作品以一種憂傷的基調外，因為廖俊濤音樂文體的力量，甚至還有一種讓人悲憫的感觸。
這幾年，能在一首情歌中聽到悲憫，确實是很少的體驗。
白描和詩詞的穿插應用，也讓《無言以說》既寫實又有詩意。用“一步一場空，風吹樹葉落，雜草滿山坡，竟無言以說”這樣的方式結尾，既營造出一種意境，也有中國古典文學那種意在言外的延伸感。
而《無言以說》最大的藝術魅力，也真是在說無言以說加一言難盡這樣的想象空間，讓人在作品最後一個音色嘎然而至的同時，關于這首作品的回味和回響，卻會一直延續下去。
從《死無對證》到《無言以說》，廖俊濤用看似簡單的題材，卻創作出了獨此一家又别人具一格的作品，這也讓人對他今年的新專輯《咬掉半口的蘋果》，多了更多的期待。因為從先發的兩首歌曲來看，廖俊濤人格化的音樂唱作，以及引人入勝、扣人心弦的結構，的确讓人重新找回深度聆聽音樂的體驗。
你有多久沒有聽到像《無言以說》這樣的情歌？如果你對這個問題無言以對，那就不如來聽《無言以說》。