繁华与浪漫的交织：巴洛克时期歌剧的技艺与奢华，展示出古代精神和新兴声音
巴洛克时期的歌剧，凭借其技艺、高贵和奢华，完美地表达了那个时代的精神。它不仅是中世纪和文艺复兴的传统，也彰显出新兴资产阶级的呼声。
通过其华丽的音乐和戏剧性场景的碰撞，巴洛克歌剧准确地捕捉了那个时代的浪漫主义，体现了人们对艺术的热爱和对生活的渴望。
巴洛克歌剧诞生于意大利，它的出现是由一小群贵族、诗人和作曲家之间的音乐讨论所铺就的道路。这个小团体于1575年左右开始定期在佛罗伦萨聚会，被称为大厅乐队，包括作曲家文森佐·伽利莱，即天文学家伽利略的父亲。
卡梅拉塔希望创建一种新的声乐风格，以古希腊悲剧音乐为模板。由于没有实际的古希腊戏剧音乐传下来，他们的理论是基于幸存的文学记载。
据信古希腊戏剧一直以一种介于旋律和语言之间的风格唱出。卡梅拉塔希望人声线跟随语音的节奏和音高波动。
由于它是模仿语音而来，所以这种新的声乐风格被称为叙述唱法。它由独唱者演唱，只有简单的和弦伴奏。由此，新音乐的质地是组成一致的。卡梅拉塔拒绝了多声部和声，因为同时发出不同的单词会掩盖极其重要的文本。
雅各布·佩里的《欧里庇得》是最早被保存下来的歌剧，它是为法国亨利四世国王和瑪麗·德·美第奇的婚礼而作，于1600年在佛罗伦萨上演。
7年后，蒙特威迪为曼托瓦贡扎加家族的宫廷创作了第一部杰出的歌剧《奥菲欧》，这两部歌剧都基于古希腊神话中奥菲斯下到冥界拯救心爱的欧瑞狄刻的故事。
巴洛克歌剧很多是为宫廷上的庆典场合而作，旨在展示宏伟和壮丽。剧目题材取材于希腊神话和古代历史。巴洛克艺术的贵族赞助者们不仅被希腊和罗马的文明所吸引，还认同希腊和罗马英雄和神灵。
歌剧确实反映了作曲家和编剧的创造欲，但也是一种讨好贵族的方式。阿波罗的辉煌形象可以象征王子开明的统治。
第一家公共歌剧院于1637年在威尼斯开放；现在，任何有门票钱的人都可以观看歌剧表演。仅在威尼斯就有17个歌剧院，在其他意大利城市也有很多—充分证明了歌剧在正确的地点和时机得以诞生。
汉堡、莱比锡和伦敦在18世纪初就拥有公共歌剧院，但总体而言，意大利以外的公共歌剧发展需要更长的时间。
许多巴洛克歌剧都旨在展示华丽的奢侈。皮埃特罗·多梅尼科·奥利维罗描绘的都灵皇家剧院内部的画作（1740年），展示了弗朗切斯科·费奥的歌剧《阿萨斯》的演出。
威尼斯歌剧成为了一项重要的旅游景点。一位英国旅行者在1645年写道：“歌剧的场景种类繁多，绘制和设计都非常讲究，包括透视图画面和飞行机器以及其他奇妙的动作；总体来说，这是人类智慧能够发明的最华丽和昂贵的娱乐项目之一。”
巴洛克歌剧的舞台机械巨大，舞台效果可能包括神明驾着战车从云中降临或飞驰于天际，船只出海飘荡，巨石劈裂等。而布景的设计本身就是一门艺术。画家们将背景变成了有拱门、大道、延伸到远方地平线的城市。
巴洛克歌剧标志着独奏歌手的崛起，其中最重要的是去势男歌手，这种男性歌手在青春期前被阉割。去势男歌手融合了男性的肺活量和女性的声音范围，他们的敏捷度、呼吸控制和独特的声音引起了听众的好奇。
去势男歌手获得了任何音乐家中最高的费用，凭借他们的女高音或女低音音域，他们扮演诸如凯撒大帝和尼禄等男性角色，巴洛克时期的观众显然更关注声乐技巧而不是戏剧的真实性。
一些巴洛克歌剧今天无法演出，因为当代歌手无法演唱那些难以应付的去势男歌手部分。1600年至1800年期间，通常是在贫困的父母的同意下进行，他们希望自己的儿子成为高薪的歌剧明星。
在巴洛克时期晚期，歌剧主要由由咏叹调组成，由叙述曲连接。这些叙述曲通常只由低音连续奏和声伴奏，这种情况下它们被称为干燥叙述曲。然而，在情感高潮和紧张时刻，它们可能会得到管弦乐队的支持；这时它们被称为伴奏叙述曲。
在咏叹调中，所有的动作都停止了，当歌手面对观众时，表达人物的感情，并展示声乐技巧。一个典型的巴洛克晚期咏叹调的格式是A B A。一个采用A B A形式的咏叹调称为“大复奏咏叹调”：
在B节之后会写上“大复奏”，这意味着从头开始，并表示重复开头的A部分。然而，这种重复通常不是字面上的，因为歌手被期望用装饰音来修饰重返的旋律。
通过结合技艺、高贵和奢华，巴洛克歌剧完美地表达了一个伟大时代的精神。在当时，巴洛克歌剧是一种炫耀身份、繁荣经济和宏伟意图的方式。
歌剧被用来展示国家的繁荣、国王的权力和贵族的气派。因此，巴洛克歌剧不仅是中世纪和文艺复兴的传统，也彰显出新兴资产阶级的呼声，既有爱情、悲剧、喜剧，也有历史和神话题材。
通过其华丽的音乐和戏剧性场景的碰撞，巴洛克歌剧准确地捕捉了那个时代的浪漫主义，体现了人们对艺术的热爱和对生活的渴望。
