杨炳湘 1947年生，四川邻水人。自幼习画,1986年加入中国美术家协会, 1997年被中国文联、中国美术家协会评选为首届“中国画坛百杰”, 历任诗刊社美术副编审、环球人物艺术网艺术顾问、世界文艺家联合会理事、中国诗联书画研究院副院长兼书画专业特级研究员。擅长山水画, 兼及其他,画风自然清新，重意境与格调,主张“因境变法，移情入画”。1989年应邀在中国美术馆画廊举办个人画展, 1995年应邀为天安门城楼创作《万壑松风》丈二匹大幅国画，被天安门管理处收藏并在天安门城楼陈列展出。作品在国内、国际画展中十余次获奖，入选在北京举办的大型展览，以及在日本、美国、加拿大、韩国、新加坡、新西兰、联合国、欧洲多国包括在中国香港、澳门等地举办的展览；入编《现代中国名家山水画集》、《中国历代书画名家精品选集·美术卷》、《丹青画史∶影响中国画坛风格走向的艺术家(山水卷)》、《中南海珍藏画集》、《大家之路》等。传略收入《中国当代书画家名人大辞典》、《世界名人录》。出版有《百杰画家·杨炳湘作品精选》等专集。
杨炳湘作品 湖上渔歌68cm×136cm
笔墨写意 山水抒情——品读杨炳湘写意山水画
文/邵大箴
清人石涛于《画语录·了法章》中云：“夫画者，形天地万物者也，舍笔墨其何以形之哉。”意指“形天地万物”之山水画，若舍去笔墨何以成形，何以成画。石涛大师在警醒后学，山水画乃造型艺术，离开笔情墨韵就无法表现天地万物之形态和神气。的确，笔墨作为中国画的历史传统基干，是中国画的一个艺术表现之本，洋洋大观的中国画史卷，可以说是一个笔墨演变表现的大千世界。既是一种可以独立欣赏的抽象语言，又是一种可以与表现主题、意境、内容发生关联的表现话语。其实笔墨本身是中性的，但笔墨的表现则有拙劣与优美之分。然而，一幅画作也不是有了笔墨就美，关键还在于画家表现得美不美、技法高不高。只有笔墨表现得精湛、高级，有美感，画才会散发出魅力，才会有无穷的吸引力。这也是历朝历代优秀画家的作品印证的真知灼见。
杨炳湘作品 雨歇68cm×68cm
画家杨炳湘笔下之山水画作酣厚绵邈，清新朴茂，恬静抒情，而别具一格。其作品之笔墨与布局，具传统及现代艺术之成法，用笔雄浑深秀、萧散清逸、遒劲酣畅，用墨温厚滋润、朴茂苍郁，构图虚实相生，更见空灵，丘壑益显奇变，气象益显磅礴。其近岸阔水，石影层崖，云岭村舍，无不气韵苍茫，意象深远，无不在墨中有笔、笔中有墨、大密大疏、淡中取厚、积健为雄中深入起来、虚和起来，呈现出一种灵气往来之感。
杨炳湘作品 巴山夜68cm×68cm
品读炳湘之作品，则情不自禁地为她的笔墨精妙而心动,精神上得到愉悦及享受。如《山里人家》、《轻舟》、《夕照》、《渔》等之恬淡静谧，纯朴民心、淳厚乡情、比比乃心境安适之一隅世外田园，卸下世间红尘之喧嚣嘈杂与纷争，回复心灵之淡泊平和，《云岭山居》、《岭上》、《山家》等作品，设色简净、晕染皴擦，近实远虚，肌理节奏，层次分明，画面幽深凝重，意境深远绵长。或许此乃炳湘心向往之“诗意栖居”及心灵归隐之所也!画中万千气象，早已脱离古人窠臼，实为大虚大实、浑莽氤氲之灵构，耀动的点线、团块的水墨与自然机巧的露白布虚相映成趣，表现了一种山川的腾虚之象，给人以“象外有象”的美感和无尽的遐思。一句话，笔参造化，已得山水真趣。
杨炳湘作品 晨光66cm×66cm
石涛云：“山水真趣，须是入野看山村，见她或真或幻，皆是我笔头灵气。下手时他人寻起止不可得，此真大家也，不必论古今矣。”仿佛说的正是杨炳湘山水画的美妙所在——自然的“或真或幻”与画家的“笔头灵气”相合，让人“寻起止不可得”，一任天然。南北东西，宛如目前，秋冬春夏，生于笔底，远山近岭，生机郁勃，于洒脱中见法度，于空灵中见风神，于苍茫中见滋润，正如刘勰在《文心雕龙·神思》中所言：“吟咏之间，吐纳珠玉之声；眉睫之前，卷舒风云之色。”正是因为构思时驾驭题材的舒卷自如，故在表达时有“笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动。墨者，高低晕淡，品物浅深，文采自然”（荆浩《笔法记》）之气度，浓缩于尺幅之间，于山苍水秀、水活石润中天趣盎然。
杨炳湘作品 晨雾 68cm×68cm
细察之，杨炳湘写意山水的艺术表现有如下突出特点：
其一是她的山水画感性色彩极强，随机偶发式的作画方法，创作过程中的因气布势，既来自于山川的真实感受，又浸染着画家浓郁的个人意绪，并由此开启图式个性的求新求变，即指画面整体的结构、造型、空间、视角、色调、氛围、意境上显现出的个性区别，强调的是视觉感官上的节奏、韵律和张力。画家关注的焦点在于构织怎样的抽象组合，却又不完全剥离自然特性，而独具自立的面貌。她的作品总是在寻找线（林枝或山石）、点（叶与苔）与面（河流与山峦）之间的构成关系及图式变化的形式美感，开拓新的审美领域，提供新的审美体验。
杨炳湘作品 楚水吴山 68cm×68cm
其二是她的用笔已极松动自然，有枯藤坠石之妙，提按勾勒，皴擦点写，率性之至，笔与象、意与境、心与画，进入无碍境界，所谓“从心所欲，不逾矩”。这种笔法表现上的自由王国状态，是画家多年纯功历练的结果。它从古代传统来，又不同于古代传统，强化了笔法的转换、起止、映带、方圆、刚柔，因而形成了鲜明的个性语言。它弱化了描绘性，强化了表现性，使绘画向“内在需要”（康定斯基语）走去，向心灵表现趋近。其代价是遗貌而不易形似，其收获是心性抒发的自由与取得山水之大象（神似），令心物不二，使山水的自然之性与吾人之心高度合一。“重则滞”，“轻则飘”，只有“松”而“沉”，“重”而“轻”，才能虚灵圆活。石涛在《画语录》里所谓“腕不虚则画非是”，“其用笔极重处，却须飞提纸上，消去猛气”，说的也是这个用笔之道。杨炳湘之画法，恰是体现“腕虚”“笔活”“飞提纸上”之妙处。
杨炳湘作品 风雨归舟66cm×58cm
其三是杨炳湘的用墨已达“笔与墨会，是为氤氲”，“笔不笔，墨不墨，画不画，自由我在”（石涛语）的境界。这种境界，是谓自然。试观当下流行画风，皆是分明净洁之美，而杨炳湘却一反常态，不以修洁为工，不以雕饰为能，则以自然无饰的画风、干湿苍润的笔墨世界，将观者引带进一个特殊的审美天地，它不是人间习见之画，不是世人常见之景，幽奥深沉，奇崛静谧，美在混沌不失清雅，妙在漫漶不失分明。
杨炳湘作品 观瀑亭
作为当代山水画家，杨炳湘深知自己的使命和责任。她以现代人的自觉意识，走出了昏昏欲睡的传统局限，理性地走向了现代审美，走向了艺术自觉的时代。其创作紧紧把握中国画以道为天地之美之本质，于作画时，并不拘泥于有限具体事物之形与色，而具画翁之意不在物之念，“画者舞笔，意在天道”。也就是说她的艺术已从自然中获得了随意和自由，进入了“艺术本体”的探寻。就此而言，杨炳湘的山水画步入了一个新阶段与新境界，她取得了可喜的新成果。
杨炳湘作品 和风 98cm×68cm
综观中国绘画史，以董其昌、石涛、赵之谦、黄宾虹等大家，无不以其深厚的学养，超逸的才情，精湛的笔墨法度，高屋建瓴地以理论学养与继承开掘前人的丰富传统内核，在实践技巧中又有超越前人，而成就一个又一个的艺术高峰。杨炳湘的山水艺术之道，从早期奠定了“妙得其真”的“写生”传统，进而发展到不失形似而得情景交融的“寓兴”传统，最后再到与其抒胸臆不拘于形似的“写意”传统演进，当与其经年累月致力痴迷于传统理法的反复研习，与老庄哲学、道释思想等东方文化精神的参悟息息相关。正基于此深厚积淀的传统学养，画家才能以力能扛鼎的笔法功力与“画影不画形”的形象结合，在疏斜率放的笔墨挥洒之间，于天地之外别构一番灵奇，落拓出一派高绝散淡之气，这当于其独立突傲的人格、意气相为表里。吾等相信，随时光之推移及画家之辛勤劳作，必有大器，势在必然。
2017年1月10日 原文发表于2017年5月19日《文艺报》
（本文作者：中央美术学院教授，著名美术评论家）
杨炳湘作品 荷风 68cm×68cm
品格自高：因境变法，移情入画
文/司马烈人
我比较喜欢欣赏画作，对好作品的标准就两个字——“舒服”。最近，读杨炳湘女士的画作，禁不住班门弄斧，随意写开来。
杨炳湘出生蜀地，自幼喜画，早年入伍，后在《诗刊》社从事美术工作，做着自己喜欢的事情，兢兢业业。她素爱唐诗宋词，沉浸其中的意境构想和描写，又留恋家乡的水气迷雾，时常游历名山大川，捕捉言不尽意的自然美，正如清代石涛所说“搜尽奇峰打草稿”！
杨炳湘信守的绘画理念主要是这样几点：“有意境自成高格，堪称佳构。无意境如同地理志、导游图”、“情深然后境深，情真方能感人”、“风格不能风格化，不能模式化”、“因境变法，移情入画”、“笔墨有轻有重，有缓有急，有疏有密，有浓有淡，构成阴阳虚实的强弱节奏，整个画面方能生发出一种韵律感、运动感和节奏感。”（以上见杨炳湘《中国画的笔与墨》、《也谈山水画的意境》等）
杨炳湘的艺术道路主要是传统的延续，但自有不断求变、求新的拓展，这就是个人风格形成的过程——一个在继承基础上培养出来的品格问题、成长起来的高度问题。黄宾虹论画说：“非明笔墨则源流莫窥，未讲源流则创造无法，未讲创造则新境界又从何而来？”我要说的是：真正继承传统是不容易的，真正开创新我也是不容易的：前者是本源，需要一种精致追求和敬畏意识，与古人神通；后者是流变，需要一种独立追求和突破意识，与时人差别。两者缺一，都不能创造真正意义上的经典之作。
中国古代绘画艺术的底蕴深厚，对外部世界尤其山水世界的认识自有一套相对完整的方法和观点，其中以“情景交融”最突出，艺术表现时要化景为情、化情为景，突出意境空灵、气韵生动。这已经成了中国山水画的明显特点，是历来丹青妙手的追求。
杨炳湘作品 金秋岭68cm×68cm
我阅读杨炳湘的山水作品，试图从中找到属于她崇尚的画风、布置的手法以及创作的心态，体会到笔墨生动当是有意味的形式，透露出对生活、生命的多方面感怀。另外，觉得她在努力寻找、表现至少两种融洽的格调——意象的一致、意象的反差，重在“无我之境”与“有我之境”的呈现，故品格自高。落实在下面四点：
1、 景致的温度
宗炳《画山水序》、郭熙《林泉高致》等都说明了一个道理：常人眼里的景致多半就是景致，画家的眼里则完全不然，仰观俯察、澄怀味象、兴会所致都带有诗意。我以为，在杨炳湘的眼里，景致是有温度的、鲜活的，《春江月》、《满塘清香》、《轻舟》、《浮光》、《晨曦》、《晨风》等以温婉为主，给人温馨之感，善于营造大面积的光晕效果，朦朦胧胧，着力传达出不同生活场景的暖意，留下不同时光的记忆。除《满塘清香》外，其余五幅都有一叶小舟，把我们的思绪一下带回宋元文人画中，清雅自然，余味无穷，这就造成历史的温馨、接续传统的意识。《春江月》中孤舟与两棵树的对立，偏左下的水中月，这样的三点布局很讲究，再与远处背景结合，使人想起张若虚《春江花月夜》中的诗句：“江流宛转绕芳甸，月照花林皆似霰。空里流霜不觉飞，汀上白沙看不见”；《晨风》中行使的孤舟、闲坐的渔妇、眼前的飞鸟、阔大的山水、摇曳的芦苇构成了一幅和谐的画面，妙在动静呼应，大有魏晋以来部分文人墨客萧散淡泊的意趣，也给人温馨感。温馨是一种观察的结果，一种内心的体验。历史的温馨往往积淀着久远的一种情怀，没有火急火燎的躁动感，杨炳湘做到了！
杨炳湘作品 暮色 66×53cm
2、 感觉的力度
画家的感觉是建立在具象基础上的独立思考、概括表现，力度的大小则决定了水平的高低。德国康德在美学上提出“力的崇高”，即对象因为体积大、数量多或爆发力强，给人震撼、压迫、肃穆之感。杨炳湘《盛夏》、《夕照》、《山里人家》、《渔》等，就容易造成这样的感觉，笔墨挥洒，线条和色块强调力度，最突出焦墨皴擦。《夕照》、《山里人家》异曲同工，扩大动感面积，与茅屋、瓦房形成强烈对比，好像要把自然的生命力凸显出来，把人的居住看成从属于这种生命力的一个部分，着实让人不能马上平复心绪。这些画作的主题不是单一的，透露出有关人与自然诸多方面的哲学思考或生活体味。感觉所以为感觉，正在于它的个性化，没有个性化的感觉艺术就枯萎了。但是拿捏住感觉、传达出意蕴，更需要带上哲学思考和生命体验，这才是真正感觉的力度。力度又是无止尽的，因人而异，需要画外功夫，杨炳湘通过画作证明了这一点。
杨炳湘作品 轻舟65cm×45cm
3、 心情的热度
景在眼前，境在心中。心情可以复杂，也可以简单，两者都源自对世间人事的认识和概括。如果在画作中能把心情的热度轻描淡写或浓墨重彩地表现出来，是一件不容易的事，因为过于凝练则难达意，过于渲染则易繁复。杨炳湘《乡情》、《江水清》、《山里人》、《故里新居》以含蓄为主，给人蕴藉之感。这四幅画作于1988年至2007年间，从《乡情》的一截温润山水，到《故里新居》的一片开阔气势，都注重远、中、近景的布置，反映了作者在2005年前后或许更早画风的转变，更倾向把写实简约化，把写意凝练化。《乡情》表现的心情热度是具体细微、浑厚的，如王维《汉江临泛》所言：“江流天地外，山色有无中”；《故里新居》表现的心情热度则是整体概括、苍茫的，如杜甫《堂成》所言：“背郭堂成荫白茅，缘江路熟俯青郊。”两幅作品中人物或无或有，可能正是作者多年所追求的一种含蓄表现方法，读者可以把自己置身其中，浮想联翩，引起一股浓浓的乡情。难道我们排遣乡情的心情会没有热度吗？热度是一种能量，心中多一份这样的热度就会多萦绕一次阔别的乡愁——“美丽的哀愁”！在这一点上，杨炳湘的本事在于笔下一山一川、一树一石总关情。
杨炳湘作品 清赏 27cm×24cm
4、 笔墨的厚度
王国维《人间词话》说：“以我观物，故物皆著我之色彩。”画作应当讲究笔墨的厚度，有了它情致就是沉甸甸的，不是轻飘飘的。在我看来，杨炳湘非常擅长这一点，《无声的岸》、《夜之声》、《欲雨》、《游云》、《晓色》、《细雨》、《寒江雪》等用心构思与皴染，制造出无声与有声、静谧与游动的艺术效果，尤其《游云》、《晓色》显示出作者把握自然的个性和能力，给人用笔厚重、潇洒的感觉，可以想见作者创作时的激情，大有行走天地间那种豁然开朗的气势。石涛《画语录》说：“古人有有笔有墨者，亦有有笔无墨者，亦有有墨无笔者；非山川之限于一偏，而人之赋受不齐也。墨之溅笔也以灵，笔之运墨也以神。墨非蒙养不灵，笔非生活不神。能受蒙养之灵而不解生活之神，是有墨无笔也；能受生活之神而不变蒙养之灵，是有笔无墨也”，这是从手法与生活两方面谈论笔墨。没有笔墨厚度的激情是浮浅的，没有激情的笔墨厚度是虚假的。艺术需要张扬自我个性，独具一格，这是从业者皆知的道理。上面两个“没有”往往决定作品的生命力，有不少人却难做到，如同喜欢画竹的人不都能驾驭好郑板桥谈“眼前之竹”、“胸中之竹”、“手上之竹”三者的关系一样，画出的竹子半死不活，缺乏盎然生机。杨炳湘心手一致，画出逸趣，不露痕迹，借王微《叙画》中的话来说，即“望秋云，神飞扬；临春风，思浩荡！”
杨炳湘以上画作的四个特点，都为突出意境的深度服务，追求笔力收放、着墨干湿、场景动静、意象虚实、风格刚柔的互补表现，既有淡雅清新的，也有气势壮美的，还有兼顾两者的，多给人心旷神怡、摇曳多姿的韵味，表现出静默的哲学和律动的元素，符合我评判好作品的标准——“舒服”。
杨炳湘已经取得了令人瞩目的建树，闻名远近。祝她继续诗意地栖居在自己的画中，多些收获！
2014年1月2日 原文发表于2014年2月17日《文艺报》
（本文作者：北京大学中文系博士、教授，艺术评论家）
杨炳湘作品 清夏 68cm×68cm
画为心象，气格为上
文/杨炳湘
识画如识人，气格为上。所谓“精、气、神”，人之不可缺，画亦不可缺。
一张画，首先要立意构图章法严谨，造型设色新颖协调，用笔用墨稳健灵动而无浮滑板滞的弊病。此外，还须画面气韵畅通，富有节奏感、形式感，意境清新且有诗意、神采，画才具有韵味和格调。至于画的风貌，可以多种多样。即便是同一画家，也完全可以在不同作品中表现出或清新典雅、或淡泊宁静、或豪迈壮阔、或荒寒孤傲的不同追求，使每幅作品都各具特色。
画家的艺术风格是在创作实践中自然形成的。风格的形成和发展，与不同作品不同表达方式之间并不矛盾，反而十分必要。多样性的表达能力反映出画家多方面的艺术修养和艺术才华，能够使不同作品的绘画语言与题材内容、表现形式达到更为和谐统一的艺术效果，让画家的每幅作品都呈现出更为高妙、更加完美的艺术境界，使画家的整体风貌更为丰满。
杨炳湘作品 秋韵 68cm×136cm
一位画家在具备艺术表现手法多样性的同时，能够保持和凸显其个人艺术风格一致性的原因很多，除了技术方面，关键在于画家在作品中所呈现出的精神、文化取向，以及作品的艺术品质和气格神韵的不同。所以说，鉴赏一幅画，除了那些专业技术上的把握，还要明了绘画风格清浊雅俗、美丑文野之优劣高下各有区分，才能辨别出作品总体水平的高低。
画为心象。造化入心，幻化为象，是为心象。山峙川流、日月往来，四时寒暑、草木枯荣，画家睹物兴怀，也要应天地万千变化之物象，穷通图变，因境变法，移情入画。
心象之成画，画家必须有敏锐的审美眼光，丰富深刻的生活感受和生活积累，以及将心中之象绘成眼前之象的能力。能力不能仅靠天资聪慧，主要靠后天学习、修养、实践。
画为心象，气格为上。画要气感充盈。《周易·系辞》说：“精气为物”。气虽观之无形，抚之无相，然而，气可知可感，无处不在。天下万物，无气则无生，无生则无长，无长则无成。可见气之珍贵重要和高迈旷达。笔墨技巧、布局设色为作画之基础，画道的要领在于神韵。神由气生，气动神来，画中无气感便无气氛气格、无味道，画中有气感才有情有韵、有境界有神采。
气有清气、浊气之分。清气养生，浊气导亡，气之于人于画皆如是。画中气流贯通如人之血脉流动，是生命的象征。如何使画中气流贯通？情志使然!画为有情之物，神来之品，画家要淡泊明志，提高文化艺术修养，陶冶风神气格，升华精神、艺术境界，十分重要。唯此，画家才能画出意境清新，格调高雅，有境界有品位的上乘之作。
气有清浊、格分雅俗，人有人品、画有画格，这些无不与境界、修养有关。画由技入艺再入道，有德者成，不可不知。
提笔作画，画家须存恭敬清纯之心，将真情厚意、高迈气格含蕴于笔墨之中，融之于物、呈之于象，情神会意、物我两忘，笔无挂碍、心手相应才会有神来之笔，佳作问世。因此说：好画观之可以养眼，赏之可以养心。皆因好画气格高迈，有清气沐人，看了可以让人冥思遐想、神游八荒、心旷神怡矣!
2014年11月18日
杨炳湘作品 山家 136cm×68cm
我 从 风 景 中 走 来文
/杨炳湘
画者心象，画迹就是心迹。心为人生经验之总汇。所谓画如其人，此言不虚。
我出生的地方与四川邻水县么滩御临河古镇一河相望，名叫“高坎塆”，是一个山水环绕，竹树掩映的小村庄。小镇早年是个水运码头，有“小重庆”之称。
我自幼对父亲购回的连环画、年画和图书着迷，喜欢画村里的房子、山上的树和小鸟。基于此，上小学时便能画小的生活场景画，经常得到老师的表扬。我很庆幸在这么优美的环境里出生长大，从小在大自然里疯跑，看它，听它，画它，对那里的山山水水了解、熟悉、亲和如同自己的家人。
我是在离家一百二十里路的县城里读的初中和高中，每学期要从家到学校往返一到两次。有时中间要回家取粮证或伙食费，只能请三天假，回去一天，休息一天，再一天返回学校。好几次都是我一个人步行往返，一天要走完这么远的山路，脚都走肿了，途中常常十几里不见人烟，渴了就喝几口山泉水，累了就在风景好的地方坐一会，观景看山，听蝉鸣鸟叫，虽然辛苦，却磨炼了我的意志和胆量，饱览了途中的山川美景。
杨炳湘作品 卧龙岗 68cm×68cm
成年后，我游览过桂林、黄山、华山、泰山、天山、峨眉山、瑞士雪山，以及长江、黄河、巴黎的塞纳河等名山大川，但到底不如早年我对家乡山水的印象深刻和来得自在。石涛说“搜尽奇峰打草稿”，这些经历对我画山水画影响深远，至关重要。直到今天，我只要一闭眼、一凝神，那山、那水、那天上的云、那路边的草都还犹在眼前，在我的想象中，人会随着白云悠游，随着鸟儿翱翔。苦和累都会过去，美好和快乐却永远地留下来。我的这些经历，已经或多或少融入我的作品之中。
我早年得到知名画家冯宗祥老师指教，学习中西绘画的基础知识。到《诗刊》任美术编辑以后，聆听过钱绍武、黄永玉、何海霞、卢光照、吴冠中、白雪石等名师名家为美院学生、研究生讲授的一些大课和绘画演示课。后来与白雪石、吴冠中先生相识，得以向他们当面请教。
除了画画，我还喜欢读书。小学期间通读过《说唱西游记》，后来阅读过不少中外文学名著、美学画论、古今诗词以及儒、释、道、包括《易经》这样的书籍。《易经》的哲学，是变化的哲学，万事万物，无不在变化中演进和发展，画亦如此。画要有风格，但要避免“风格化”，艺术的自由表达关乎艺术的生命，不可被所谓“风格”所困。1987年，我在《美术家通讯》发表的短文——《也谈山水画的意境》中说到：“人有不同，景有不同，感受也不同，要抓住哪怕是些许差异，因境变法，探求相应的表现手段。如果不同题材均以一法炮制，必定面目雷同，难以表现多样奇特的意境”,在这里正好适用，防止风格化的最佳选择之一就是因境变法，变是不变的法则，解决停滞的良方。
杨炳湘作品 盐湖夕照68cm×68cm
五柳先生说自己“好读书、不求甚解”，是说读书不要死抠书本死读书。读书一是求知，二是明理，三是提高修养。理不通，事不行，有什么样的知识积累出什么样的作品。画家要下接地气，重视生活感受，上通文脉，与中华文化精神相承续，重视文化、艺术修养，陶冶风神气格，升华精神、艺术境界，非常重要。
绘画是进入创作状态后，对物象的选择和重组，是将情感、对美的认识融入景物的一个过程，是对虚幻的或确定的景物、以及不确定的变幻莫测的飘渺空间的表达和呈现。画为心象，画家只有在提高自身修养的前提下，静心息虑、心无点尘,笔无挂碍、心手相应,因境变法、移情入画，才能使作品有新意，有品味。凡关乎境界、格调，不是单从笔墨技巧中可以得来，多半要在修养中孕育产生。说到底，画家的全面修养、自心省悟明白最重要。
作为承载中华民族深厚传统文化精神的国画艺术，今天应该如何继承发展，既不丢失其本质精神，又能焕发出新的风采活力，是必须思考并做出解答的课题。
2013年11月26日
杨炳湘作品 野凫乐园68cm×68cm
杨炳湘作品 一帆风顺68cm×68cm
杨炳湘作品 一抹秋色68cm×68cm
杨炳湘作品 游云68cm×68cm
杨炳湘作品 雨后溪山136cm×68cm
杨炳湘作品 长城 68cm×136cm