還是在2001年上大學時，我剛得到耿其昌版《逍遙津》的音頻，如獲至寶，興沖沖的跑到劇社分享給其他的戲迷同學，大家聽慣了高派的《逍遙津》，咋聽耿其昌的這段“父子們在宮院傷心落淚”，無不大為訝異，驚為天人。大家七嘴八舌的評價，什麼百啭千聲、高亢幽咽、穿雲裂石、撕錦裂帛、美不勝收、餘音繞梁，一時間成語亂飛。
一位同學突然來了一句“靡靡之音”，當時大家哈哈一笑，都未在意，事情也就過去了。
此後我成了耿其昌的忠實戲迷，但同學那句“靡靡之音”一直深深留在了我的腦海。我不知那位同學是随口一說，還是經過思考才說，不過我越來越覺得有幾分道理，因為耿其昌的嗓音和唱腔都實在是太美了。
不知道用“美”形容老生唱腔是否恰當合适，但我在聽耿其昌唱腔時就是這種感覺，在欣賞其演出視訊更感到非但唱，其他念、做、打、舞無一不美。
在現在的平劇舞台上，耿其昌之氣質英武，唱風剛勁，是其他老生所不能比拟的。
在戲校時，夏山樓主就曾教過耿其昌譚派唱腔，而餘叔岩的琴師王瑞芝曾長期為耿其昌說戲吊嗓，王連平教過他《蓮花湖》，王金璐教過他《探莊》、《夜奔》。這就是耿其昌獨特的表演風格形成的重要原因。
不過在票屆，耿其昌，乃至妻子李維康的唱腔并不受歡迎。主要觀點就是認為他們的唱腔獨特，哪派也不像。
李維康常說：吃别人嚼過的馍不香，她甚至直言不諱的說：我不是固定的宗某一個流派。
說這種話既要有足夠的實力，也要有足夠的勇氣。夫妻同心，李維康和耿其昌夫婦就這樣走着自己的路，但這條路注定太難了。
平劇的形成和發展本身就來源于不斷的創新和改革，但創新改革從來都是艱難的。想當初，譚鑫培一改平劇老生黃鐘大呂的唱法，根據自己的嗓音特點而創立的“譚腔”，也被時人诟為靡靡之音。而其以下，在譚派的基礎上，老生藝術不斷創新，衆彩紛呈，餘言高馬譚楊奚麒等老生流派相繼誕生。但所有行當的所有流派，無不是藝術家們根據自身條件而積極探索、苦心孤詣而得。這其中老生行當中的言派、楊派、麒派，旦行中的程派，其流派形成所經曆的艱難苦楚是戲迷朋友所熟知的。
所謂創新，不過是絕境下的反戈一擊。因為不創新，就沒飯吃。
藝術流派的形成是藝術發展的必然趨勢，流派的形成對于藝術的發展和傳承有十分積極的作用。但同時，藝術流派形成的同時也自然産生流派之争、門戶之别。
在戲曲界，乃至戲曲觀衆中逐漸形成一種習慣和風氣：如果不拜一位名師，或者不以某一流派的傳人為标榜，就很難得到承認，就很難“冒尖”。
解放後，傳統藝術開始被國家所重視、保護，平劇創新也從未停止，但平劇創新的原動力好像也就此慢慢消失。文革後，在政策引導和使命感召下，作為新中國培養起來的戲曲精英，耿其昌夫婦自然得走在平劇創新改革之路的最前沿。但這條路走得異常坎坷，雖然做過很多嘗試，但結果往往不如人意。
最主要的是，在他們藝術的黃金時期，卻也正趕上了平劇最低谷的時期，不能不說遺憾。雖然德藝雙馨，雖然名利雙收，但他們本應能達到更高的藝術成就。
譚元壽曾說他能戲有三百多出，而據網上資料，言耿其昌不過三四十出。耿其昌曾對此不無感慨，而不少戲曲觀衆也引以為憾。這不是演員能力問題，而是時代的問題、體制的問題，更是平劇在繼承、改革、創新中所要面對和解決的最突出的問題。
現在的平劇老藝術家論資排輩靠前的，據觀察要滿足三個條件：
一者；拜過開宗立派的名師；
二者，有響亮的家學淵源；
三者，參演過電影版的樣闆戲。
耿其昌曾擔任《智取威虎山》的B角，而李維康曾擔任《紅燈記》的B角，曆史沒有假設和如果，隻能長歎一聲：時也、命也、運也！