在我評論這部日本電影之前，讓我說點什麼 - 這位導演真的讓我們的童年!!!
90年後的童年不可避免地變成了電視兒童遊戲的孩子，從小卡在遊戲機的靈魂戰鬥、超級瑪麗，到高年級的紅色警戒、模拟生活、三國單機遊戲、小螢幕跳像素跳躍、旋轉、吃獎品等一舉一動，使螢幕緊張的操作對自己初次滿意。
用人類學家Amber Case的話來說，我們正在成為"Seberg人類"，每次我們在電子螢幕上按下和觀看時，我們都會變成半機器人。而90歲以後的我們，更本土的"塞貝格人"酒吧。
近年來，一些日本電影越來越像一首短詩，從《如果世界貓消失了》到《夜空中總是有最高密度的藍色》，再到《就是這樣，我們把金魚放進池子裡》和《我們都是小僵屍》。
《我們都是小僵屍》是恐怖片嗎？
今年夏天，刺猬樂隊帶着一個"坐火車到雲端，夢寐以求的九号征用"刷了一圈朋友，一些歌迷的歌是"迷路燒焦"，而這部日本電影，其實可以承受得起這樣的評價——"迷路又燒"。
影片的主題其實很簡單，隻是兩三句話就可以說是清楚了——父母去世後，四個少年的感情去追求意義，然後組建了一支搖滾樂隊，而主唱的少年在經曆了司機謝德自殺之後， 意識到自己的人生未必是一場遊戲，最後他們在富士山前散落着一大片綠草坡，實作内心和解——先嘗試做點什麼。
用雞湯的語言來形容，就是少年終于發現現實世界遠比掌機螢幕更加生動美麗，發出了一聲歎息"大自然的像素真高啊"，而司機并不是他人生遊戲中的終極反派，樂隊解散後，他們依然擁有無限人生探索的可能性。
但影片的視聽語言，卻深刻地反映了作者對"遊戲"第九藝術的深深迷戀。無論是像素風的開場，還是《拿關鍵道具》的設定，還是千變萬化的"第一人稱視角"、"被忽視的視角"（前者大多用在大型射擊遊戲中，後者多用在戰略遊戲中），或者主題曲包括熟悉的遊戲音效（遊戲MIDI音樂風格），導演用大型遊戲布景講述故事的願景總是得到展現。
遊戲分為十二個片段，看似很死闆，卻是單機益智遊戲常用的橋段——遊戲被分成一個"關卡"，而眼鏡少年到自己家裡偷偷取回金魚和遊戲機的段落，就像是類似"鬼鬼祟"的一般靈活遊戲，讓人忍不住遊蕩。
像素遊戲的主要特點之一就是色彩飽和度高，色彩在影片中的運用展現出一個點，影片中的每一個少年，都有其主題色，而他們在采訪的背景和表演舞台服裝處處處都展現了這一點。
這部電影的難點之一就是要保持少年的外表。青少年和成年人的世界是截然不同的。當然，孩子們的表演成本都是大人主導的，說"這是我的命，我當然會自私"是大人的自我，地鐵站緊緊盯着手機前，變成僵屍的成年人都淪為社會性動物。
青少年不必被成人世界污染，但他們也因為自己的軟弱而承受着壓力。算上日本的青春電影，如《大逃亡》、《百合周》等，似乎能夠梳理出"冷酷少年家譜"、"悲慘的綠色少年人物畫廊"、"殘酷的少年知識檔案"等等，在日本高度商業繁榮和現實的壓力下，青少年也不得不承受早熟的壓力和痛苦。
與"我們都是小僵屍"這個名字相比，台灣翻譯的"爸爸媽媽都死了，但我不想哭"反映了電影的主要故事。父母一起去世後，那些沒有達到其他長輩期望并流淚的年輕人，認為自己就像無腦的"小僵屍"，踏入了"在路上"的旅行，而青年的過去則通過"牛奶""電吉他""鋼琴"等物品将他們的生活串聯起來，在"情感探索"中尋求互相支援， 并開始與世界建立新的聯系。
而整部電影更像是一部蒸汽波美學宣言，展現了新一代的年輕人開始梳理自己的過去，創造出一種新的語言。
《情感寫作小力量》