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《巴顿·芬克》是科恩兄弟的第四部长片。 在拍摄了《血迷宫》，《抚养亚利桑那》，《米勒的十字路口》三部优秀的影片之后，该片大获成功，在当年的戛纳电影节同时获得了金棕榈，最佳导演以及最佳男演员三项大奖，轰动一时。这也让《巴顿·芬克》成为科恩兄弟走向国际影坛的代表作品。
但是，正如科恩兄弟之前的作品《血迷宫》一般，《巴顿·芬克》充满了各式的荒诞隐喻，在平静的外表下似乎藏着哲学的内核，视听语言平实又充满张力。初看这部影片，难免会让人感到晦涩难懂。这也导致了该部影片在票房上的失利。
本文将从影片隐喻，人物剖析，现实意义三个方面来解读这部影片，一步步揭开这部伟大作品神秘面纱下的惊世面貌。
<h1 class="pgc-h-arrow-right">影片隐喻：怪异诡谲，迷雾重重</h1>
影片讲述了一个小作家巴顿·芬克因为一部新剧大受欢迎，而被邀请到好莱坞写电影剧本的故事。巴顿·芬克被邀请写一部与摔跤有关的电影，但他对这类影片毫无了解，陷入无事可写的恐慌。在他入住旅馆之后，一系列难以理解的荒唐事也接踵而来。
影片中充斥着大量的怪异诡谲的意象，诡异的旅馆，疯狂的邻居，掉落的墙纸，这些事物往往令观众感到一种奇异的不适却又不知其究竟有何意义，影响了对影片真实价值的判断。
在影片中，巴顿芬克入住的伊尔酒店在一开始就显露出怪异。在酒店的前台，接待员甚至将当地的地名说错了。而电梯中负责按键的人员也显得麻木冷漠。这种令人感到清冷寒颤的环境与之后即将出现的热情似火的邻居形成了对比，也预示着巴顿芬克在这样一家诡异的酒店注定无法写出像样的剧本。
电影中的温度则是另一种隐喻。不断掉落的墙纸，滴落的汗以及邻居的吵闹严重影响了巴顿芬克的创作。观众在影片的一开始似乎还无法意识到这几点之间的关联。然而随着影片的推进，我们可以发现有邻居查理的地方，就有莫名其妙的高温。而在他消失之后，巴顿芬克则文思泉涌，顷刻写出。当他再度归来，甚至引发了一场火灾。这种温度的异常让观众理解到查理的重要意义，并在人物分析中开始将巴顿与查理当作一体两面来看待。
在关于电影的一系列影评中，亦有观点将酒店看作是巴顿自己的身体，将走廊视作动脉，将管道系统看作是排泄系统，将电梯中发出的胃蠕动的声音看做是查理的内部。这也是查理作为巴顿第二个自己的证据。
电影中另一个令人沉思的隐喻则是奥黛丽的身份。奥黛丽作为编剧梅休的助手，也是梅休的代笔人。而当奥黛丽的身份被巴顿知晓，便走上了一条死亡的道路。而奥黛丽之死也是巴顿编剧生活的一次转折，在之前寸笔难行，在这之后则是下笔如飞。
观众不妨将奥黛丽看做是灵感的化身，这种化身之前属于梅休，却被巴顿以暴力的方式抢夺过来。也正是因为得到了这份才华，巴顿才能够日夜不休地写出剧本。
这隐喻亦可以用电影海报中的那一只蚊子证明，在巴顿拍死奥黛丽身上的蚊子之后，却发现奥黛丽已经死去。而制片商之前已经认为“这里是沙漠，所以洛杉矶没有蚊子”。这句话中嘲弄了好莱坞实际上是“文化沙漠”，也预示着奥黛丽给巴顿的启迪性作用。
这种剧作速度上的改变是从巴顿得到那个不能打开的盒子开始的。尽管盒子从未打开，我们也可以猜测到盒子中所装的理应就是奥黛丽的身体。从得到盒子到最后，巴顿始终都把它放在自己的身边，也是一种把“才华”紧紧握住不松手的象征。
<h1 class="pgc-h-arrow-right">人物剖析：巴顿·芬克，一人两面</h1>
《巴顿·芬克》这部电影虚虚实实，有许多场景与人物都是想象出来的，但要理解这部电影，也必须要理解这部电影的绝对主人公和“创造者”——巴顿·芬克。
这部影片以固定镜头为主，移动镜头较少。进行的活动也大多是巴顿与他人的谈话。此外，电影在酒店中多用景深镜头，在长长的走廊上产生深邃昏暗的感觉，整体的色调也偏令人昏昏欲睡的压抑暖色。因此整部电影给人的感觉就像巴顿的性格：内向，不爱言语而又令人感到乏味。
要理解巴顿，就要理解查理的出现。查理实际上是巴顿一体两面的另一面。影史中出现潜意识的人物并不少见，《搏击俱乐部》等其他悬疑电影中普遍使用这种方式体现主人公的意识状态。
我们可以在电影中的许多地方找到“潜意识论”的证据。譬如内向的巴顿竟然能在见到查理之后自由自在地倾吐自己的创作思想；又譬如在交稿时，制片人提到巴顿的剧作里都是灵魂的摔跤，而巴顿和查理在电影里也有过一次“摔跤”。这些前后呼应的细节都体现出查理这个人的虚构性。
查理出现的直接原因是巴顿的困窘，当巴顿陷入无法交稿的痛苦，查理就出现舒缓他的身心，帮他寻找写下去的方式。查理的第一次出现是在巴顿盯着油画寻找灵感的时刻，虽然查理与巴顿几乎是两个完全相反的人，但却相处地十分融洽，甚至进行亲密地摔跤。
通过查理与巴顿撕裂的状态，我们可以感受到巴顿自己内心的痛苦与不认同：他原本只是一个不知名的剧作家，却因为一次意外来到了好莱坞，进行自己根本不擅长的创作。巴顿在电影中始终保持着迟钝冷静的形象，而他心中的纠结则是通过查理来显现的。
在这部电影中，约翰·特托罗的表现也是令人叹服的。她在以往的电影中往往美国城市中的犹太人或是意大利人。在这部电影中，戏剧成功后的兴奋，写不出剧作的痛苦，以及最后的解脱在一个演员身上被完美呈现出来。这种表演也使他获得了金棕榈的最佳男主角。
<h1 class="pgc-h-arrow-right">现实意义：黑色电影，嘲弄现实</h1>
在科恩兄弟的影片中不乏黑色电影的荒诞与神秘。他的黑色风格并不张扬狂放，也不血腥暴力，而是在沉默中有着独特的韵味。在他们的首部作品《血迷宫》中，就存在这种令人捉摸不透的电影风格。在这部电影中，则更添加了一丝对于现实的嘲弄。在这之中，对创作受阻，灵感消失的嘲弄则是最明显的。
《巴顿·芬克》这部影片剧本的构思只用了三周时间，而在创作这部电影之前，他们在剧本《米勒的十字路口》中的工作遇到了困难。影片中对于受困编剧的刻画无疑是生动的：被制片人催稿的痛苦，剧本缓慢时的压抑在这部电影中都有所呈现。不得不说，《巴顿·芬克》看上去也像是科恩兄弟们对于自己当时现状的无奈自嘲。在巴顿陷入痛苦时，房间的隔壁似乎传来一阵阵笑声，这笑声也像是科恩兄弟对自己的嘲笑。
而更深一层的，这部电影是对当时电影工业的反映与嘲弄。在影片的背景中，好莱坞正处于工业化的阶段，需要能够大批量制造模式化的电影。正是在这种背景之下，巴顿虽然被制片人发掘，却仍然只能创作一些没有营养的摔跤电影。
这一点在奥黛丽口中则得到了进一步验证，编剧的工作无非是电影工业化中的普通一环。在商业片的制作中，编剧想要创作出艺术化的剧本是不可能的。在影片的结尾，巴顿的电影剧本也被制片人痛斥，只得扫地走人。
因此，对于好莱坞流水线式工业体系的嘲讽，才是《巴顿·芬克》外衣下最核心的理念。挂在宾馆墙上的那副油画才是巴顿最希望达到的创作环境。这个场景也在电影结尾以真实的形式呈现在巴顿面前，这也表明他已经从好莱坞的环境中解脱出来。远离工业化的喧哗与浮躁，在片尾的海滩上与世无争进行艺术创作，这也是科恩兄弟的真正理想。
<h1 class="pgc-h-arrow-right">结语：</h1>
《巴顿·芬克》无疑是极具魔幻主义的一部黑色电影，尤其是在电影的结尾，查理在烈火中飞奔的场景，无疑令人感到奇异又费解。
这种晦涩虽然导致了票房的失利，但是这部影片无疑是一部艺术性极强的佳作。电影描绘了一个编剧生活的起起伏伏，用隐喻的方式影射了工业化电影的乱象，在人物的两面性中甚至蕴含自己生活的境遇。
该片更是对这部电影本身的一个预言，《巴顿·芬克》虽在电影节大获成功，却在北美票房上预冷，这简直就是电影的现实翻版。它对每个身处其中的工作者都来了一记当头棒喝——这里绝不是创作天堂。