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文|娛事娛绯
編輯|娛事娛绯
前言
《阿爾梅裡亞》作為一首充滿激情與抒情的作品。
它不僅結合了19世紀末至20世紀初的民族樂派風格，還将浪漫主義晚期與印象主義進行了完美融合。
可究竟要怎樣彈奏才能将這首作品完美的呈現在聽衆面前？
浪漫主義晚期的音色處理
據悉，《阿爾梅裡亞》這首作品有大膽狂放的激情，也有細膩流暢的抒情。
是以在演奏的設計上可以大膽處理。
而曲中由弱到強的各種力度變化、和聲色彩的明暗對比、音色觸鍵的變化處理、特别是“彈性節奏”與延音踏闆的結合，也使鋼琴具備了豐富的音響效果，甚至表現出了19 世紀末20世紀初民族樂派鋼琴音樂的發展特點。
并且在和聲色彩、情感表現更豐富的浪漫主義晚期，能将浪漫主義和印象主義虛與實結合的寫作手法巧妙運用，還有對不同音色的處理和控制能力也在樂曲《阿爾梅裡亞》中顯得尤為重要。
故而在彈奏此曲前還要從聽覺能力入手，這時就要講講兩種類型的“音樂耳朵”。
一種是“主觀之耳”，音樂家憑它想象着所要彈奏的聲音，越是具體逼真，彈奏效果就越好；另一種是“客觀之耳”，它指的是鋼琴家對自己指尖觸鍵所發出聲音的調控能力。
可見豐富的想象力是演奏者奏出動聽聲音的關鍵，并配合用心聆聽的耳朵，用耳朵來支配手指的運動，就能演奏出所要刻畫的音樂形象、表達的音樂情感以及追求的音響效果。
在A段中，描寫了阿爾梅裡亞這座海港城市甯靜與澎湃的海面場景，是以安靜和明亮的外側旋律聲部是演奏者需要考慮到的。
并且樂曲中主旋律與和聲需要由同一隻手演奏的地方也随處可見，以第一小節為例，右手G音小指立起，手腕就要放松稍微向右側傾，并利用瞬間的爆發力彈下，想象奏出穿透到鋼琴底部的聲音。
而訓練小指的方法有：把1234指同時彈下保留住，然後小指單獨做高擡指的彈奏方法來訓練小指的機能。
右手則是稍稍向右側傾，以保證手指能夠順直下鍵，避免倒塌，左手便向左側傾，可雙手同時做這項運動。
在第二聲部級進下行的四音列要彈得很連貫，手腕放松用一個力量傳遞完成。
不過要注意的是左手主和弦上行走向過程中每一個音都很重要，故而在第二二拍子的D音上建立一個地基來連接配接兩邊的音。
而全曲中除高聲部之外其實還有平行的二到三個聲部在同時進行。
以第8—12小節為例旋律集中在右手的小指，對于外側聲部演奏者要采用最小的關節（一關節）與琴鍵幾乎處于垂直狀态，來找到清晰的外聲部旋律線條。
這就要求一隻手掌握兩種完全不同的觸鍵感覺。
而這樣的處理則需要單拿出來反複練習，多去哼唱旋律，在耳朵中強化好旋律聲部的概念。
不過要注意在處理不同聲部的力度層次時，每個和弦都必須有一個主音，不然雙手同時幾個和弦音加和弦外音彈下就不能厘清，會缺少聲音的色彩性。
這也就意味着演奏者在處理這種多聲部的音樂作品時，可以同時采取垂直觸鍵和水準觸鍵兩種方法：垂直觸鍵發力結實、直接、迅速；水準觸鍵輕滑、柔美。
其中垂直觸鍵要求力量側傾于需要突出聲音的手指，掌關節要有支撐點，并且聲音也要集中，想象聲音穿透鋼琴底部；而水準觸鍵發力點則以一關節為動作主體，前後做水準運動，使琴錘緩慢擊弦，發出輕柔卻仍具有凝聚的穿透力的柔美音色。
類似于“叉子”和“勺子”的關系，意思是外聲部指尖最前端觸鍵要飽滿集中，而内聲部則要平滑柔軟稍靠後的觸鍵方式。
在B段中采用的就是帶有重音和跳音的舞蹈性節奏，其實阿爾貝尼茲經常采用民間音樂演奏的即興發展手法，并在鋼琴上再現出民間樂器，特别是吉他琴的表現特點和音響效果。
不過第54-64小節則是通過改變節奏重音的寫作手法，表現了西班牙人民的熱舞和狂歡，是以觸鍵要迅速、直接，并奏出富有彈性的聲音。
但第65小節的和弦則是以琶音形式奏出結合ff 的力度，來模仿吉他的掃弦技巧。
也就是說在演奏時，演奏者的指尖部位要用向裡“勾”的抓鍵觸鍵方式，同時運用全身的力量，做出大膽的、具有爆發力的觸鍵方式，這才能演奏出吉他掃弦的氣勢。
而在第68-78小節，左手音樂家給出的術語是marcato ma non f，意思是着重清晰的但不是強的聲音，這就要考慮到旋律的流動性，層次在右手之上，是突出旋律的意思。
在C 段的第88-98小節中，可以看出演奏者想象的是晶瑩透明的聲音，故而這裡就要注意觸鍵和音色的均勻性，不要被粗心大意的踏闆所破壞（踏闆具體使用見3.5踏闆的運用）。
其中左手應盡量保持最連音，手腕放松，使平穩的觸鍵方式貼鍵彈奏，不要讓手指離開琴鍵，以獲得缥缈、輕柔的音色效果。
而右手則要注意和聲層，差別好高聲部與其他兩個聲部力度及音色的處理，使外側聲部傳的更遠。
并擺好和弦把位，靠自然重量放下即可。
其力度在8小節sf之後要保持mp的力度，即彈下琴鍵的1/2或2/3的深度。
但在第99-100小節中的強和弦就要彈得深和沉穩，既是對上一段的收束，不過随後要做減弱處理，這樣便可以很好的對下一段展開了期待，營造出空洞的意境。
據悉，D段與 D’段為第101-130小節和第210-245小節，充滿了悠遠、奇特的神秘色彩。
是以要想營造出在阿爾梅裡亞海岸上，陽光與海面的映襯下，船隻時隐時現的場景，演奏時就要求旋律線要具有歌唱的特質。
以第101-104小節為例，我們應該将需要明晰的聲部控制在可以彈得深一些，把琴鍵彈到鋼琴的底部，想象聲音是可以穿透鋼琴的。
而高擡指的慢速觸鍵就是适合表現連綿、悠長、深沉、富有歌唱性的觸鍵方式。
是以保持這種狀态，直到需要不同表現力時才可切換。
由于其餘三個聲部即伴奏聲部，就要考量好手指對pp力度的控制，不過這裡所說的控制不要和“壓力”、“緊張”混為一談，隻因放松的音樂表現狀态才是此處應該有的表現。
在第121小節中需要果斷直接的快速觸鍵方式，并運用手腕的快速觸鍵，以獲得清脆明朗的精神氣質，而同樣的音型可做同樣的處理。
節奏處理技巧
衆所周知，節奏是一部音樂作品的骨架，德國指揮家漢斯·馮·彪羅就曾說過：音樂家的“聖經”應從這個句子開始，“節奏是萬物的初始”。
雖熱在起初拿到一個音樂作品時，演奏者都應該嚴格的按照樂譜的時值節奏來練習，不過将所有的音樂要素及演奏技巧融會貫通之後，就應該考慮整體情感節奏的把控。
而節奏是西班牙音樂的靈魂，這也就意味着更要靈活處理在大樂句線條下的節奏問題。
其實作曲家的有些标記在今天的演奏中并是不完全适用的，衆所周知，演奏者對某首樂曲正确速度的認識，可随着時間的推移而發生變化，這個過程甚至發生在短短的一天内。
而《伊比利亞》組曲的技術高超之處，就算是演奏者可以根據自身的實際情況選擇合适的演奏速度。
其實通常情況下，若将“以匹四分音符為一拍”的律動轉變成“以二分音符為一拍”，就會使音樂聽起來更流暢。
但在《阿爾梅裡亞》這首樂曲裡，其基調确實以6/8拍為其律動，是一個具有民謠風格的舞曲律動。
是以在數拍子時請不要以3拍子的節奏來數，而是按照6/8拍的合拍律動來數，隻因這樣的組合不僅會帶來叙述的連貫性。
還十分符合作曲家給出的四分附點音符為72的速度。
不過，關于樂曲中rubato彈性速度的問題，就是要拿捏好它的分寸，畢竟太過于自由會破壞掉大的架構，使整個線條散掉；但是嚴格的規範又會聽起來太過刻闆，是以浪漫主義晚期的作品是可以融入個人感情去演奏的。
這也就是說第 61小節處可根據舞曲節奏情緒的進行适當的緊縮節奏處理，直到67小節的G音上休息拉寬。
但第101小節-122小節裡，在低聲部素淨、柔美的伴奏下，高聲部則是奏出了充滿印象派幻想情節的神秘主題，而演奏者也可自由發揮，使其表現出近現代音樂抽象思維的特征。
可見雖然作曲家标記了可以用彈性速度來演奏，但其實還是把彈性節奏的主權交給了演奏家，那麼彈性速度下旋律的伸縮性，則是對重複出現的G和E适當的做出rubato的演奏處理，以此顯示出了一種期待感。
不過，要注意的是隻能在旋律聲部做适當的rubato，切不可随意的将伴奏聲部做彈性速度，反之會導緻音樂進行的脈絡散掉。
如在第235-246小節中，句子的第一個音可以略等一下，旋律也可以前松後緊，但填充聲部要保持原速。
當然這幾個樂句我們不能統一化處理，在正式演奏時還是會視情況而定。
雖然彈性速度對主旋律産生了主要影響，但伴奏需要保持原有速度。
當年莫紮特就在寫給他父親的一封信中說過：“（令這些人）無法準确拿捏的是在慢闆中使用彈性速度，其實左手應該嚴格按照時值穩步前行。它們隻要一出現，左手就要照着做。”
而在第212-227 小節中的處理原則同理。不過在第149-152小節的過度連結句中，拍子卻不能因為漸慢的情感處理而松散，其中左手 6/8 拍律動要平靜而穩定，右手則要根據和聲的變化點出3/4拍的律動，使音樂進行更有律動感。
不過在第201小節，作曲家則給出了演奏訓示a Tempo meno mosso（回原速，不那麼快，稍慢）。
結語
《阿爾梅裡亞》是一首技術要求高，情感表達豐富的作品。
它展現了浪漫主義晚期音樂特征的同時，也展現了作曲家對音色、節奏和力度的細膩掌握。
故而對于演奏者來說，這首作品不僅是技術的挑戰，更是情感表達的平台。