顔色确實很無聊。
"當代電影叙事不産生意義"，需要明确的是，當代電影不是一件藝術品，而是一件消費品。
确實有必要創作一件作品，告訴大家：這是藝術，這是藝術家;藝術，藝術家，這就是它的産生方式。
像這八部電影
1. 艾達修女 （2013）
導演： 保羅·帕夫利科夫斯基
主演： 阿加塔·庫萊莎/阿加塔·澤布霍夫斯卡/喬安娜·庫裡格
"這是一個圖像奇觀，任何鏡頭都是完美的靜止圖像。
《艾達姐姐》是一本攝影教科書，每一張照片，每一個鏡頭都是精心制作的。構圖，編輯，角色排程/駐紮都近乎完美。它繼承了自布列松以來的形象傳統，這是一種内省的形象傳統。優雅，優雅，美麗。
每一幀都是癡迷地——強迫性地堅持金色分裂的美學，極簡主義無表情和無情感的表現，留下了所有小而巨大的曆史故事背景和生活感的白色，在最後的鏡頭中轉變的形式做出了成長的最終結論。（公牛和羊的耳朵）
2. 都靈之馬 （2011）
導演： 貝拉·塔爾
主演： 亞諾斯·德茲/艾麗卡·伯克/米哈伊·科莫斯
"死亡已經隕落。在神死之前，他對他的兒女說，"當我離開時，你們一定不要哭。
"這是一部需要耐心的虔誠作品，這部電影在實驗上與任何哲學傑作都有很強的可比性，每一個黑白鏡頭都是導演想要表達的反創世紀反轉項目，當光線在第六天消失時，所有漫長的重複都結束了。（很多）
對我來說，世界上最偉大的導演隻有兩位，一位是已故的安德烈·塔可夫斯基，另一位是貝拉·塔爾，她被拍攝過。對于大多數其他人來說，電影隻是電影，對他們倆來說，電影都是哲學思維的一種手段。實實這一點，從不表達瑣碎和粗俗，從不表現出七種激情，隻有最抽象的命題最起源，人們被賦予上帝的話語。仰望星空，走出世界。
3. 藝術家 （2011）
導演： 邁克爾·哈紮納維修斯
主演： 讓·杜雅爾丁 /貝吉尼斯·貝格吉奧
八十五年的一閃，這部電影是人類最偉大的發明！
導演從無聲電影到聲樂電影的轉變，是被時代"抛棄"的演員的低語，同時向那些永不褪色的人緻敬，任何熱愛電影的人都會被感動。
一部純粹的銀幕電影，不是炫耀，而隻是在電影院裡看到銀幕上的這種光影，才能細細品味它的每一點美，才能帶着一種疑惑和羞澀的感覺去看這部電影，被這樣一個純淨的故事深深打動。這就像一個失散已久的摯友，通過時間帶來的問候，輕而易舉地打動了我的心。（洛倫佐）
4. 缺席人員 （2001）
導演： 伊桑·科恩/喬爾·科恩
主演： 比利·鮑勃·薩頓/弗朗西斯·麥克多蒙德/斯嘉麗·約翰遜
黑色，怪異，具有不尋常的涼爽感，以及極緻的黑白圖像。
電影的官方版本是黑白版本，用彩色膠片制作并進行後期處理，是以細節比傳統的黑白電影更豐富。黑白加工，一方面，兩兄弟以經典的形式出現，另一方面，這個無色的世界更能表達兩個人的心意。
黑白色調、低調的男聲、對内心和存在的問答和自我剖析、基于婚外情和機會的犯罪鍊條、超現實的飛碟等事件，以及慣性CD光牒（總是被使用），是導演關于人物内在和存在主義的最佳作品。（施瓦茨曼）
5. 面孔 （1968）
導演： 約翰·卡索維茨
主演： 約翰·馬利 /林恩·卡林/吉娜·羅蘭茲
他勉強地笑了笑。她也附和了笑容。他走出房間，來到畫廊，消失在台階下。他離開後，她的第一反應是松了一口氣，顯得很自在。"--奧尼爾的《漫漫長日夜行》《第一座墳墓，帷幕》
更可怕的是，他們還沒有死。多麼緻命的電影！
非常純粹的智力品味。即便是16mm的攝影機，也絲毫沒有耽誤卡索維茨的才華，排程和各種場景轉換都是一次性的。它堪比法國場景排程大師讓·雷諾阿（Jean Renoir）的電影《遊戲規則》（The Rules of the Game）。非常驚人的鏡頭使用，攝影，編輯，性能。非常漂亮的電影。
6. 驢巴格達 （1966）
導演： 羅伯特·布列松
主演： 安妮·懷亞澤姆斯基
布列松是少數堅持用電影思考的人之一。這部電影講述故事的方式和講述方式（尤其是剪輯）已經達到了令人印象深刻的水準。
布列松受到楊森學派的影響，根本不認為角色的行為應該有其心理動機，角色總是在與意志作鬥争，但也總是走向宿命論的悲劇。
《驢巴格達》的節奏展現在畫面與畫面、鏡頭與鏡頭的關系上。意義不是來自圖檔和鏡頭本身，而是來自它們的過渡之間。這大概就是結構主義的藝術。也就是說，兩個（多）鏡頭和圖檔必須關聯起來才能知道電影的意義，一個鏡頭和圖檔毫無意義，不知道它的意義，或者如果個人了解，就會形成錯誤的觀點。它隻是發揮其位置功能，而不是其意義。
7. "假" （1966）
導演： 英格瑪·伯格曼
主演： 畢比·安德森/麗芙·烏曼
有時最難面對的事情是自言自語。每個鏡頭都很精緻，有許多美麗的輪廓。
兩個人，一個一直在說話，一個一直沉默，甚至舉起一出戲，看着人們陷入迷茫和震驚。不一定完全了解，但完全震驚。伯格曼，那是伯格曼！（愛爾蘭共和軍）
通過"假臉"，我們看到了天才，永無止境，創新的事業的聚集;我們看到的是精緻光滑，展現出純潔的美，也顯得有些過于自我膨脹的作品;我們也看到了一種充滿創造力、非情色和誇張的味道，這似乎有些自命不凡，但足以讓低調的知識分子臉紅。（蘇珊·桑塔格）
8. 安德烈·盧布列夫 （1966）
導演： 安德烈·塔可夫斯基
主演： 阿納托利·索洛尼因/伊萬·拉皮科夫/尼古拉·格林科
鏡頭太美了，仿佛畫面的每一幀都有自己的靈魂，主題太宏大，表情太克制。
安德烈·魯布廖夫（Andrey Rublev）的《聖徒光環》（Saints Aura）在鐵車的踐踏下直面現實與信仰的燒烤問題，影片選擇與死者交談，死者被三個長着翅膀的天使帶走，在同一鏡頭中與他們完成多角度對話，這是從死者的出口，鏡頭和對話像夢一樣， 畫面與平行融合的問題巧妙而恰當，你幾乎找不到第二部電影的表達方式。
上帝造了祭司，鬼魂造了流浪漢。編年史詩的松散部分結構，人類同情的韻律比人類血液瘀傷的創傷更重要。正如魯布廖夫在電影中畫的雕像一樣，老塔也借用電影本身來描繪世界，精彩的鏡頭美學無處不在，更突破了既定的曆史的時代感。
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