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文|娱事娱绯
编辑|娱事娱绯
前言
众所周知，李斯特的《夜莺》一直吸引着无数音乐爱好者和钢琴演奏家。
只因它有着独特的魅力和复杂的演奏技巧。
故而，这首作品可谓是充分展现了浪漫主义音乐的精髓。
不仅如此，它甚至还体现了李斯特对钢琴演奏技术的深刻理解和创新。
可李斯特这首《夜莺》究竟是怎样表现的演奏技巧？
而它所包含的浪漫主义，又为何如此特殊？
《夜莺》精湛触键技艺解析
在李斯特的《夜莺》中，包含着非常重要的演奏技巧就是触键技巧。
演奏者如果能够熟练掌握这些技巧，那么就能把作品演奏得十分出色。
但在这其中，轮指、颤音、震音等是触键技术需要重点掌握的。
首先是多次出现的轮指。轮指其实本是拨弦类乐器的演奏技法，但它可以用不同的手指依次弹奏。
在此作品的前六小节里，右手便运用到了的大量轮指。在5、6个音的轮指中，演奏者需要全身心的放松，用很轻巧的触键方式进行弹奏，不过第四小节的五个E，则需要弹奏出不同的音色。
显而易见，这里弹奏的指法依次为43212，触键的面积随音量的变化而变化。
简单来说，就是从小的触键面积到大的触键面积再回到小的触键面积。
这样的话，经过长时间的练习，手指会变得非常有力，此后在这基础上，分析每个音的音质，多慢练。
当然这里要注意的是，弹奏时指尖触键的面积不要过大，要迅速，做好手腕的连接作用；除此之外，还要多用耳朵听每一个音，把声音变得更集中，做到轻而不虚、音多而不杂的效果。
简而言之，在演奏轮指时，手指指尖一定要靠拢一些，这样才能把身体的力量传送至手指尖，以此来增加音的准确性。
当然，在不断敲击一个音的同时，也要做到从弱到强、从强到弱的音量处理。在增加音乐性的同时，使此音乐片段变得更加有旋律的线条感。
毕竟作品要采用柔板的速度进行演奏，不能拖泥带水。而琶音处弹奏时却要均匀，好似竖琴那般迷人的的声音。
颤音则是一种音高的波动。它需要通过触键方式的不同，来改变音量和音色。
不过颤音是在高音区才进行的，而通过45指或35指的交替演奏，使音乐更具有歌唱性。
但第一小节的G、A可是用手指尖触键的，弹奏时就要避免手指的紧张感。
在弹奏颤音时，第一关节的稳定性非常重要，因此可以在平时多加练习。也就是说，手指可以悬挂在半空中，手腕达到放松，使力量自然下垂，然后手指再自然下落。
只是在找到平衡感之后，就要使另一个音做好触键的准备。要注意在练习时，手指的第一关节支撑起来，不能折指。
而高声部主要用轻触键来演奏即可。但中声部则主要是用1、2指弹奏，只因这部分是作品的主旋律，触键面积就要变大。
因此弹奏时既不能轻，也不能重重地敲击琴键，下落时要缓慢。
这是为了让高声部的颤音和中声部的音色之间形成明显的对比。
要知道震音是一个或数个音以相同的时值奏响的，而这是由于左右手交替弹奏的复震音。
故而在弹奏震音的过程中，手指的触键面积要大，力气则是非常有力。
不仅如此，弹奏震音时更要贴键，保持手腕和手臂的放松。手指放在琴键上，而手指的各个关节发力向下推动，以用掌关节形来成支点来摆好手型，但要注意，在推完后却要马上放松，就这样反复。
简单来说，在平时的练习中就要让大拇指和食指呈现出一个0字形，尤其是大拇指的第二关节，更要稳定的凸出来。
而在练习5指这个音时，手型则是要向5指方向倾斜，目的就是为了舒展、放松，好让触键的音色更好听更自然。
浪漫主义钢琴技巧解析
要知道，浪漫主义时期的音乐和古典主义的创作风格有很大不同。
只因前者更加强调情感的表达与宣泄。
毕竟他们会用变换的和声织体对作品进行创新，在经过作曲家长时间的探索和积累后，从而把钢琴的演奏技术推向顶峰。
而这也由之前的沙龙音乐会变成了在舞台表演的形式，这样能使听众的视觉和听觉产生极大的改变。
但在李斯特的钢琴曲《夜莺》中，却出现了双手交替式的和弦和琶音式和弦。
显然，他是想用多声部的和声色彩来烘托气氛。
故而在弹奏左手琶音式和弦时，手腕的平行移动是非常重要的，毕竟手指触键的面积要小，从而弹出轻盈的感觉。
但在此曲的尾声部分中，则是大量运用了双手的交替和弦，依次重复弹奏使音乐的走向到达高潮。
因此在弹奏双手交替式和弦时，双手手腕尽量高一些，用指尖轻触琴键。
需注意的是，先做到渐强，在达到最高点后立即渐弱，直至声音若隐若现。
除此之外，在钢琴演奏中，八度也是一门独特的基本技术。
比如，巴洛克时期的音乐庄严神圣、精致优雅，此时弹奏八度则需要追求轻巧。
也就是说，弹奏音时下键要迅速、果断，音色要清晰。
不过庆幸的是，此时期的钢琴作品中出现的八度并不是很多。
直到古典主义时期，科学技术得到发展之后，钢琴技术的训练才受到广泛人的重视。
当然，此时的八度还是主要用来烘托气氛的，所以在弹奏时要求平稳、均匀，但在连续出现八度音量时则要逐渐递增。
而真正感受到八度复杂的，便是李斯特这首《夜莺》作品。
由于是浪漫主义时期所创作的作品，所以出现了八度的音群、跳跃八度等难点，这时弹奏的音色就要变得轻快、明亮，尽量突出高声部的音，使音响效果更加丰满。
此部分左手用到了琶音式的和弦，开始时的旋律要深沉，下键需要从容有力，毕竟要通过低触键的方式来使指腹弹奏，好让此部分主题更加宽厚。
但在弹奏右手时要突出高声部的旋律，由于小拇指是平时练习的重点，所以这部分是要有准备的：勾琴键，下键要稳。
《夜莺》节奏与华彩探析
由于李斯特在《夜莺》中运用了三连音、六连音、大附点、切分音等节奏型音，显然该作品有着丰富的节奏形式，故而李斯特在不同的音区中使用大量带有色彩的音符来衬托作品，好让《夜莺》的节奏方面有很大的改变。
不过，这首作品是在原歌剧《夜莺》的基础之上，保留了主要旋律和原作品的精神。
但不得不说，这样确实使这首改编曲得到了升华，并且还赋予了新的意义。
比如前六小节，使用的音型非常相近，使此曲的动机非常明确。
显而易见，第一、二、三、四小节的开始部分是李斯特故意空出的半拍，且有延音记号出现，这样就会给人以无限的想象，不急不躁、缓慢而安静的弹奏每一个音符。
因此在乐曲的前六小节中便出现了多次六连音。此处由于个别音有延音记号，所以在演奏时，时值上没有严格的控制，就是没有按照2/4拍去弹奏。
或许正是这样，在弹奏六连音时才会常常给人一种安静、忧郁之感。
不过需注意的是，乐谱上出现了很多渐强渐弱的小标记。
这样的话，在弹奏过程中就要注意节奏和速度。只因前六小节的总趋势是由慢速缓缓加快的过程，仿佛窗外有一棵葱茏的大树，夜莺在树梢上清脆的歌唱。
但由于此时的旋律在高声部反复出现，故而夜莺的歌声要显得更加欢快。
这也是为何华彩乐段才是李斯特作品《夜莺》的精华所在。只因这部作品运用了独特的炫技技巧，常常会从琴键的高音区一直弹奏到中音区。
不过，华彩乐段一般会出现在作品或一个乐章的中后方或末尾处，所以结构是非常自由的。但李斯特在写作时却非常注重交响式的音乐效果，只因他想营造出一种电闪雷鸣般的感觉。
因此，在弹奏华彩乐段时头脑要保持高度清醒。而在平时的训练中一定要用固定的指法，高抬指练习的同时要完全形成放松状态。
但在慢速练习时就要固定手型。穿指时切记要迅速，不能出现拖拍等问题，只有经过大量慢速的练习。在熟练并掌握技巧之后才能加速。
要知道，很多钢琴大师都会强调：练琴一定不能经常使用同一速度，要多慢练、少快弹。
而虽说华彩乐段往往是乐曲的衔接部分，起到了承上启下的作用，但李斯特这人可是非常善于运用此手法，目的就是为了使音乐增添无限的色彩。
也就是说，《夜莺》的华彩乐段用到了五连音、七连音等音型，通过在节奏上的不断加速，使旋律感更加丰富。
但从下图这小节开始，李斯特则是用华彩性的音阶跑动，使音乐变得生动形象，仿似夜莺美妙的歌声。
因此这里的华彩句就需要右手快速跑动。在弹奏时要有固定的指法，先慢练右手，记住固定指法后加入左手。
不过还是要注意，在练习时触键要快，不宜多用手臂，用低触键的方法来弹奏出颗粒感。
而在弹奏左手时，一定要和右手对齐，虽然都是用指尖触键，可力度要非常一致，达到左右手的和谐。
《夜莺》装饰音演奏艺术
装饰音是钢琴家们最常用的一种技术手段。
它可以表现出各种音乐特征，主要起到点缀和丰富作品的作用。
但它并不是音乐的主体部分。
然而没曾想，李斯特在作品中使用装饰音的数量却是极高。
甚至他还专门强调过：不能把装饰音弹快，要有表情的弹奏它，富于独特的意义。
比如在《夜莺》的引子部分就出现了一串颤音，起到的主要作用就是修饰。所以在弹奏颤音时，手指要非常放松，不要抬太高。
但在练习时要注意均匀、清楚、干净。手腕松弛稍稍下沉，要有轻微的摆动，仿佛看到星星随着月光，如泉水般流向远方，使动听的旋律和美妙的夜色，徜徉于整个大地上。
不过从乐曲的35小节开始就变成由三个声部组成的乐段。
而由于右手的4、5指重复出现颤音，所以也就增加了演奏者的难度。
因此在练习这一乐段时，速度要慢，1、2手指尽量抬高，只因4、5指要用指尖触键，在弹奏此部分的高声部时要轻巧自如。
需注意的是，1、2手指因为是旋律声部，所以在力量上要稍重一些，从而形成鲜明的对比。
此时这段左手的最大跨越度数为10度，弹奏者必须迅速准确的找到该音，保证音的准确。
但许多人在弹奏此乐段时，大臂和小臂会出现酸痛感，而盲目的长时间练习，还会使曲子越练越糟糕，这是因为演奏者不会放松，很少慢练。
可想而知，技术难度较高的地方则需长时间的慢练，只有找到最好的触键方法之后再加速，才会使音乐更加清晰。
结语
总的来说，《夜莺》可谓是充分展现了李斯特的非凡创造力。
而《夜莺》这首作品，它也已经不单单只是一首美妙的钢琴作品。
显然，它更是李斯特的一部充满情感和技巧挑战的艺术杰作。
只因它不仅考验着演奏者的技术水平，甚至还提供了演奏者深入探究音乐表达丰富层次的机会。
种种来看，《夜莺》以其悠扬的旋律和繁复的演奏技巧，在钢琴音乐史上留下了浓墨重彩的一笔。