今天想跟大家聊聊港片的娱乐美学。
不过这一切，要先从一个羊喜欢的女人说起，那就是徐枫。 她是汤臣电影的掌舵人、汤臣集团的董事长、汤珈铖的妈妈，也是金马奖最佳女主角，以及陈凯歌的伯乐。
在1993年的《霸王别姬》东京电影节记者招待会上，纵然有风华绝代的张国荣和高大儒雅的陈凯歌在侧，也无法掩盖43岁的徐枫的光芒。
让人仅仅是看到这段视频，就想要一探究竟这个说起话来不卑不亢，有观察、有思考、有判断的女人，是什么来头。
“他（陈凯歌）可以把一个很简单的故事，拍得气势蓬勃”。 “他以前的作品成本都很小，也没有明星。那我就想，如果能给他一个好故事、很多钱和一流的演员，他应该能拍出非常好的电影”。
表情严肃、言简意赅，没有显露出任何想要取悦你的意思，但你就是会被她吸引、为她脑补光环。
在二十四年后的第54届金马奖上，六十七岁的徐枫获得了终身成就奖。
在采访里，有人说她身上有一种特殊的冷，但冷峻中又饱含热忱，跟当下其他演员很不一样。
也有人说她身上有一股很强烈的气势。当她要做什么，就一定会亲力亲为、不成不罢休。
这些对于徐枫的描述和评价，最后都归入了一类词，那就是——侠客、侠女。
这个标签，除了贴合她本人的特质之外，还因为那部划时代的武侠电影《侠女》。
1970年时，20岁的徐枫被导演胡金铨看中，在其中扮演了女主角杨慧贞。
出色的表演，不仅让片名成为了她本人的标签。 也让她与伯乐胡金铨一起，为一个大时代的到来拉开了帷幕。
那就是1980s~1990s，这个香港电影的黄金时代。
这个时代，出现了太多值得怀念的电影作品、太多光芒璀璨的明星，关于他们的一切，也填充了无数人的青春记忆。
以至于在三十多年后的大湾区中秋晚会上，最令观众兴奋、泪目的段落，依旧是黄金时代的港片混剪。
我们总会看到有人说，大众现在对于港片及其中诸多美学现象的怀念，是时代滤镜作祟，并不是它们的质量本身真的有多好。
这一点，羊其实不太赞同。 因为只要认真看过一些八九十年代的香港电影，就不难体会到，港片在满足观众观影需求这件事上，其实是铆足了劲、下了真功夫的。
也不难发现，港片自始至终坚定地站在了服务大众这一边，竭力并把娱乐美学演绎到了某种极致。
大众喜欢它、怀念它，实在是再正常不过了。
于是关于港片是怎么建构它的娱乐美学的，也就变成了我们心中一个很自然的疑问。
独特的情节设计&明星形象
首先从剧本上来讲。与重视剧本完整性和细节的好莱坞不同，香港电影的剧本，最重视的是出人意料的情节设计。
至于情节之间的背景交待，以及深刻的对白设计，都是相对次要的。
所以我们能看到周星驰电影里，常见的各种无厘头情节
这些情节并不是为了在思想上打动观众，而是直觉性的、感觉性的、潜意识的。
简单来说就是你知道它是夸张的、不真实的，但就是会被它吸引，就是喜欢看。
关于这一点，徐克在1988年的一次访谈里，说得非常明确： “商业片一定要娱乐观众，让他们的情绪得到宣泄，心情变好。电影是大众媒介，但愿我们跟观众一起呼吸……群众是用感觉看电影，不是用脑袋分析电影的”。
对白要观众思考、是负担，那就尽量减少它，观众喜欢奇观，那就多多地加进来。 所以我们能看到，《赌侠2：上海滩赌圣》的开头，是“北京人体特异功能应用研究所”
和一个突然闯入现代社会的东厂公公
非常荒诞，但就是让人感觉特别好玩儿，看着看着就笑出来了，这恰恰是导演的目的。 除此之外，港片还会从装扮、角色设计、剧情展开等各个方面，充分利用明星形象，为观众提供娱乐价值。 比如在《东方三侠》里，港姐出道、优雅得体的张曼玉，就被变成了满口脏话、絮絮叨叨的陈七。
在电影《大三元》里，张国荣的角色形象，也被设计成为了与以往的翩翩佳公子，有很大差异的神父和猫王
并且把当时的玉女掌门人袁咏仪，变成了又疯又癫的妓女。 《东成西就》，更是拿了《东邪西毒》的整个“高端”阵容来整蛊。
包括但不限于神经质的王祖贤
香肠嘴的梁朝伟
虚张声势的林青霞
还有说着一口闽南语的金轮王妃叶玉卿
当然在剧情片中，这种拿明星做文章的手段会更加隐秘一点。
比如在电影《圣战风云》里，导演“整蛊”关之琳的手段，就是在出场的时候把她安排成为一个群演，用来刺激观众对后续剧情的期待
快速剪辑&漫画配色
除了剧本和演员，黄金时代的港片在拍摄、配色、剪辑等技术层面，也有它取悦观众的系统做法。 比如港片的剪辑节奏通常都非常快，一个镜头一般都会被剪到6秒以内。 到了动作片，剪辑节奏只会进一步加快。像电影《精武英雄》里的的高潮决战，就把每个镜头的时长，都控制在了2秒以内。
人的眨眼频率是2~6秒一次。这意味着我们在看这段打斗的时候，眼睛一睁一闭，一两个镜头就过去了。 诸如此类应接不暇的快镜头，给了观众真正意义上屏息凝视、酣畅淋漓的观影体验。
结果就是，一场战斗围观下来，简直就像是自己打得一样过瘾。
在色彩方面。最值得一提的，无疑是由徐克率先应用，之后在港片中大行其道的漫画配色。
它的优势在于十分斑斓夺目，并且在营造戏剧感上成本低但效率奇高。 像徐克拍摄于1983年的《新蜀山剑侠》，就是一个非常典型的例子。气氛拉满的红蓝配
还有经典的壁画绿
不过大家最熟悉的，应该是周星驰的《大话西游》系列。
孙悟空与菩萨对峙时的红蓝
唐僧唱Only You时，诡异的红绿
还有隐喻着悟空与紫霞情感纠葛的，苍凉的黄和淡淡蓝绿
都让我们把《大话西游》的奇特气氛，深深地印在了大脑里。
当然，这些色彩应用方式，用现在的眼光来看，其实是有点粗糙的。
但在那个连彩色电视都没有全面普及的低分辨率时代，这些“快糙猛”的色彩，无疑会给观众留下强烈的视觉印象、甚至称得上惊喜。
声音、色彩与镜头的高水平协调
除了上面提到的情节设计、演员“整蛊”、快速剪辑和漫画配色之外。
港片还会通过对声音、色彩、画面、动作与镜头的高水平协调，来进一步提升观众的观影体验。 比如《倩女幽魂》里这个姥姥来找小倩、小倩掩护宁采臣的这个段落。
为了营造紧张感，这段并不需要打斗、并且只有5分钟的戏，足足容纳了170多个镜头。也就是说，两秒一个镜头还有富于…
声音、画面、动作极致的快速协调，使得整场戏无比丝滑流畅、飘逸唯美。
但凡有一个镜头衔接不到位，小倩都不会美的如此惊心动魄、不沾丝毫烟火气。
这种高水平的协调，在武打片、警匪片里更是达到了叹为观止的程度。
比如《黄飞鸿2：男儿当自强》里，这段看过的人基本都会印象深刻的竹梯打斗。
从置景到动作设计，再到机位安排、场面调度，无一不是诚意满满、工作量惊人。
更不要说成龙电影里各种搏命的跳楼戏、惊险的追逐戏
可见，黄金时代的港片就是这样，全方位、立体化地向观众提供着足斤足两的娱乐美学。 用天马行空的奔放想象，竭力调动着观众的官能快感，以及渴望成功、冒险、发财、被爱以及崇拜英雄等的心理需求。
虽然随着90年代中后期，好莱坞娱乐大片连通院线一起的大举入侵，以及家庭VCD的普及和盗版光碟的铺天盖地，香港电影的黄金时代终究是结束了。
但它的美学遗产，到今天依旧深刻而广泛地影响着我们。
正是受惠于那个时代“美与个性并重”的造星机制，我们才会看到那一批，至今仍在我们心里熠熠生辉、各具风韵的美人。
也正是因为了解了港片娱乐美学的原理。 我们才会明白，《一代宗师》中赵本山出场引得观众大笑的场景，并不是一个bug，而是一个经典的、港片讨好观众的手段，其效果早就存在于墨镜王的预料之中。
黄金时代的港片当然也包含有很多低级、恶俗的趣味，不过那不是羊今天想跟大家讨论的重点。
羊想说的是，通过研究港片我们会发现，以娱乐美学为基础的大众文艺作品，其创作难度其实并不比很多“高大上、看不懂”的作品低。
高品质的娱乐美学，也并没有我们想象中那么容易追求，仿佛放下身段就可以轻松达到。
这意味着，用“远离大众”、”背离人的基本需求“来背书品味、判断价值，并不拥有天然的正义，而且很有可能会走向狭隘。
因为娱乐大可以是真诚的，而严肃却也会暗藏虚伪。