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我们的后现代社会(或者是后后现代社会)充满了对过去的认同。时尚界(再次)向宽腿和高腰致敬，建筑和室内设计都在经历似曾相识（独立浴缸又回来了），而最近一部黑白电影赢得了三项奥斯卡奖。
但是，这些在艺术和设计领域常青的趋势是何时何地首次出现的呢?
在鼎盛时期，艺术运动采取了叛乱的形式——甚至是革命——具有讽刺意味的是，现在美化这些运动的许多名字，来自那些当初批评和嘲笑他们的人。
在这里，我们将探索10个最具影响力的艺术运动，看看它们是何时开始的，为什么它们会流行，以及它们的遗产是如何在当代艺术和设计中延续的。
01
线条艺术
列奥纳多·达·芬奇 (Leonardo da Vinci) 绘画的《头骨剖面》（左） (1489) 和《勒达的头部》（右） (1505-07) ，虽然不是严格意义同时期所作，都体现了线条艺术。线条艺术一直蜿蜒前行——从最早出现的洞穴绘画（早于写作数千年）到各个时期的雕塑、素描、素描、插图、蚀刻和版画。
文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇的解剖画是传统线条形状的例子，而现代线条艺术采用更抽象的几何形式。杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)的表现主义绘画睫毛被认为是线条艺术，当代英国画家布里奇特·莱利(Bridget Riley)的视错觉也被认为是线条艺术，而美国波特兰设计师本杰明·尤因（Benjamin Ewing）则把线条本身作为一个主题。
杰克逊·波洛克的《蓝极》(1952)
布里奇特·莱利的《秋韵》（1963）
本杰明·尤因《You Suffer, I Suffer》(2017)
02
印象派与后印象派
克劳德·莫奈
《拉瓦科特塞纳河日落，冬季效应》(1882)
文森特·梵高《星夜》(1889)
印象派兴起于19世纪的法国，当时一大批巴黎艺术家——包括克劳德·莫奈（Claude Monet,）、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre Auguste Renoir）和卡米尔·毕沙罗（Camille Pissarro）——厌倦了工作室形式，收拾起画笔、颜料和画布，走出画室，印象派从此就诞生了。
印象派作品以描绘风景为特色，其特点是笔触细腻而清晰（这让那些不认为可感知的笔触具有艺术性的传统主义者感到十分兴奋），并常常试图捕捉自然光和四季变幻莫测的美。
由文森特·梵高 (Vincent van Gogh) 等艺术家领导的后印象派进一步远离自然主义，打破了光与色的所有“规则”。如今，光线仍然是所有类型当代艺术和设计的关键考虑因素和组成部分——也许我们要感谢印象派，因为它可以自由地对形状和颜色进行实验。
03
点彩派
乔治·修拉 (Georges Seurat)
《大碗岛的星期天下午》 (1884-86)
点彩画也被称为“点画艺术”或“点艺术”，是由法国艺术家乔治·修拉（Georges Seurat）和保罗·西纳克（Paul Signac）开创的一种绘画技法。这两人从印象派伙伴中分离出来，将他们的小画笔和笔触演变成鲜明的色彩点。当大量应用时，形成了连贯、细致和立体的图像（可以说，有点像我们现代的像素）。
这种技术仍然广泛应用于各种媒介，包括时尚、艺术和纹身。使用点彩画的当代创意人包括迈阿密艺术家 Miguel Endara（他的作品 Hero 由仅用一支钢笔绘制的 320 万个手绘点组成）、日本艺术家草间弥生（Yayoi Kusama）(可以说是圆点皇后)和水彩艺术家Ana Enshina用数以百计的缤纷水彩点进行创作，逐一地将动物们的的轮廓用缤纷的点概括出来，不论是多彩的孔雀还是粉红色系的火烈鸟，在这些大大小小的色块中，大胆又细致的以多彩的创作冲击着视觉上的感受，并且还带有一些律动感~
Miguel Endara 《英雄》（Hero） (2011)
草间弥生的《南瓜之灵降临天堂》（2015）
Ana Enshina创作的《多彩的星点动物》示例
04
新艺术运动
阿尔方斯·穆哈(Alphonse Mucha)的
引人注目的新艺术作品 (1897)
法国著名的“派对动物”艺术家亨利·德·图卢兹·罗特列克(Henri de Toulouse-Lautrec) 是新艺术运动（Art Nouveau）的掌门人。1890年至1910年间，新艺术运动在欧美的建筑、家具、珠宝、海报和插画领域蓬勃发展。
受植物和花卉自然形态的启发，这个美丽时期的特点是弯曲的形状、芥末色、橄榄色和深红色以及不对称的线条——所有这些都是对那个时代严酷的工业化的强烈反抗。
捷克平面艺术家阿尔方斯·穆夏 (Alphonse Mucha) 和西班牙建筑师兼雕塑家安东尼奥·高迪 (Antonio Gaudí) 是其他著名的新艺术运动人物，环绕巴黎地铁入口的精心设计的弧线（由法国对西班牙高迪、赫克托·吉马尔德的回应设计）仍然是对这个时代的致敬。
近年来，新艺术风格在平面设计中以华丽的植物插图的形式卷土重来。
巧克力棒包装
佛罗伦萨茶店 Tealicious 的植物灵感品牌设计
05
立体主义
巴勃罗·毕加索用现代主义创作的
《弹曼陀铃的少女》（1910）
这种描绘现实的革命性方法被称为“现代艺术的第一种抽象风格”，是由西班牙的巴勃罗·毕加索
（Pablo Picasso ）和法国画家乔治·布拉克（Georges Braque）在1907年发明的。在巴黎相遇后，这对艺术“古怪的夫妇”从更多的具象形式转向完全抽象，共同创造了立体主义。
这一运动的特点是主题内容碎片化，可以从不同的角度看到（因此得名于三维的“立方体”），这一运动反对艺术应该复制自然的想法并从非西方艺术的更具表现力的倾向受到影响。
立体主义者将拼贴画引入绘画中，这种技术在今天仍然很盛行，以及在当代设计中一直很流行的四四方方的三维效果。
Peter Olexa几何美肖像(2019年)
西蒙·弗劳斯 (Simon Frouws)
《唐吉诃德：拉曼查机灵的绅士》(2013)
由德拉戈斯拉夫·马利尼奇(Dragoslav Malinic)
《城市日落》(City Sunset)（2013）
06
未来主义
图利奥·克拉利 (Tullio Crali) 的
《Bombardamento Aereo 》(1932)
意大利诗人和艺术理论家 菲利波·托马索·马里内蒂（Filippo Tommaso Marinetti ）在 1909 年推出了未来主义。
1909年，意大利诗人、艺术理论家菲利波·托马索·马里内蒂（Filippo Tommaso Marinetti）开车因躲闪一个骑自行车人而突然转向，将自己的汽车掉进沟里，这一令人振奋的时刻启发了他，创立了未来主义。
这一运动偏离了立体主义的精确线条和方形形状，偏向于更加不稳定的、有棱角的形式和悬挂的斜坡，目的是捕捉速度、动作和当时的技术（旁注：与其他运动相比，它也聘用了更多的女性艺术家，据说“为女权主义铺平了道路”）。
未来主义短暂而尖锐（结束于1916 年），但留下了它的印记，并且仍然可以从大胆的交叉线条和阴影中发现它的影子，这些线条和阴影为现代设计增添了维度和动感。
几何形状无缝图案
07
装饰艺术
装饰艺术风格的诺曼底 (1935) 海报
从20世纪20年代的新艺术运动中兴起的装饰艺术运动，试图美化大规模生产的功能性建筑，如钟表、汽车和建筑物。它在两次世界大战之间达到了鼎盛时期，试图代表奢华、魅力以及技术和社会进步（如果你看过《了不起的盖茨比》，你就会明白其中的含义）。
该运动的特点：从流动的花卉风格转变为流线型的几何设计，对称、强烈的垂直线条和光滑的形状，反映了机器时代的摩天大楼和钢梁。
装饰艺术的美学可以说从未真正过时，并且在当代文化中仍然丰富——特别是在最近兴起的复古平面设计趋势中。
Earch设计装饰艺术风格的logo，视觉曲线
08
超现实主义
萨尔瓦多·达利 (Salvador Dalí) 的
《记忆的永恒》(1931)
它可能是由巴黎诗人安德烈·布列东 (André Breton) 创立的，但超现实主义之父无疑是西班牙的萨尔瓦多·达利 (Salvador Dalí)（留着令人震惊的上翘胡子）。这一艺术和文学运动兴起于 1924 年，其灵感来自西格蒙德·弗洛伊德（Sigmund Freud）的精神分析理论，弗洛伊德的职业是研究患者的潜意识。
超现实主义者回避现代社会的“压抑理性主义”，更喜欢关注潜意识领域——比如梦想和无拘无束的想象力。他们的作品通过随机物体和不合逻辑的并置的存在创造了一种“惊喜元素”。
在许多当代艺术作品中，发人深省的作品不断给我们带来惊喜（比如澳大利亚的Blacklist工作室和罗马尼亚数字艺术家Madalina iordachelevay的作品），现在我们拥有触手可及的照片处理工具，超现实主义风格在平面设计中非常丰富。
09
波普艺术
安迪·沃霍尔创作的玛丽莲·梦露 (1962-67) 版画
波普艺术是 1950 年代中后期兴起的一场运动。苏打水、汤和名人，这些是波普艺术的主题。尽管它始于英国，但随着安迪·沃霍尔(Andy Warhol)和贾斯珀·约翰斯(Jasper Johns)等艺术家抛弃了传统的艺术观念，波普艺术在纽约迅速发展。
受流行文化和商业文化的启发，波普艺术作品通常以常见的家居用品、消费品和包装(可口可乐和坎贝尔的汤罐比比皆是)以及大众熟悉的媒体形式（漫画书、好莱坞电影、广告）和标志性面孔（玛丽莲·梦露、伊丽莎白·泰勒）为特色。
当代平面设计师经常使用波普艺术特征，如虚线图像、大胆的色彩和重复的图像系列，艺术家杰夫·昆斯（ Jeff Koons）、亚历克斯·卡茨（ Alex Katz）和朱利安·奥佩（ Julian Opie）是使这一运动保持活力的人之一。
朱利安·奥佩的《侠影》肖像(2000年)
杰夫·昆斯的《气球狗》(1993）
阿历克斯·卡茨的《轻快的一天》系列(1990年)
10
极简主义
弗兰克·斯特拉的《哈伦二世》(1967)
极简主义艺术回避艺术表达，更倾向于保持事物的字面意思（就像极简主义的创始人之一，画家弗兰克·斯特拉Frank Stella说的那样，“你所看到的就是你所看到的”）。极端简单是这一运动的关键，媒介和材料从它们背后的艺术家那里抢走了风头。
20世纪60年代初，极简主义在纽约兴起（也被称为ABC艺术、文学主义、文学艺术、还原主义），其特点是稀疏性。包括斯特拉(Stella)、雕塑家唐纳德·贾德(Donald Judd)和画家卡门·埃雷拉(Carmen Herrera)在内的艺术家，倾向于使用尽可能少的线条和形状来创作一件作品，而早期的作品大多是单色的。
这一运动只持续了十年，但极简主义仍然非常流行——“少即是多”的哲学目前正在清理众多创意领域(à la Marie Kondo)。具有极简主义思维的当代艺术家，包括以闪烁的白色单色画闻名画家玛丽·科斯(Mary Corse)，以及雕塑家阿诺·科特绍特(Arno Kortschot)。
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