近日，上海博物館對外宣布了将與英國國家美術館攜手舉辦“從波提切利到梵高：英國國家美術館珍藏展”的消息，引起很大關注。展覽定于1月17日開幕，屆時，波提切利、拉斐爾、提香、戈塞特、卡拉瓦喬、倫勃朗、克勞德、康斯特布爾、塞尚、馬奈、莫奈以及梵高等歐洲藝術巨匠的52件油畫作品将組團來中國上海展出。如何用50餘件作品講述400年歐洲繪畫史？除了缺席的《向日葵》，還有哪些珍藏來滬？
梅西那《書房中的聖哲羅姆》
作為全球最受歡迎的十大藝術博物館之一，英國國家美術館收藏了2600多件歐洲繪畫傑作，館藏所涉及的藝術家包括真蒂萊斯基、貝利尼、塞尚、德加、達·芬奇、莫奈、拉斐爾、倫勃朗、雷諾阿、魯本斯、提香、透納、凡·代克、梵高以及委拉斯貴茲等。展品極少到其他地方外展。目前英國國家美術館正在籌備2024年建館200周年慶典，位于特拉法加廣場的館舍将進行重大整修，這也使得一批館藏文物有了來到亞洲的“檔期”。
位于倫敦的英國國家美術館
根據主辦方公布的展覽清單，特展涵蓋50位藝術巨匠的52件作品，将完整呈現從文藝複興至19世紀後印象派的歐洲繪畫史。而為了更好呈現這段橫跨400餘年的歐洲美術史縮影，展品遴選時盡可能做到覆寫各個時期的代表性藝術家或代表作，從波提切利、貝利尼、拉斐爾、提香、丁托列托、戈塞特、卡拉瓦喬、普桑、委拉斯貴茲、凡·戴克、倫勃朗、戈雅、塞尚、高更、馬奈、莫奈、梵高、康斯特布爾、透納等，各個都是美術史上的藝術巨匠。
上海博物館館長褚曉波此前在釋出會上透露，上博在遴選展品時還曾兩度提出，希望能借展到梵高最著名的《向日葵》來滬展出，但這幅名作因為在東京奧運會期間曾離開英國赴日本進行過一次亞洲巡展，短期内不适合再“長途旅行”，英國方面經過反複磋商，最終還是未能同意出借。
取而代之将展出的梵高作品是展廳中懸挂在《向日葵》旁的《長草地與蝴蝶》，也是一件重磅展品。梵高在法國南部聖雷米小鎮（St-Rémy）附近的聖保羅精神病院（Saint-Paul de Mausole）接受治療時，畫下了這片草地。梵高用畫筆感覺生命，用明豔豐富的色彩描繪世界，使其作品充滿生命力。釋出會上，英國國家美術館館長加布裡埃爾·費納爾迪博士就是站在這幅作品前，通過視訊向中國觀衆熱情洋溢地介紹這個特展。他表示，這是“一個濃縮了英國國家美術館藏精華的展覽”。
達·芬奇的《岩間聖母》是英國國家美術館最重要的館藏之一，英國方曾表示可以将這一作品的數字化展品帶來中國，但上海博物館更希望能将原作與數字化展品同時呈現在國内觀衆面前。對此英國方反複研究，認為這一作品為早期木闆畫，材質脆弱，出于文物保護考慮，不再赴外展出。
雖然不能親見《向日葵》和達芬奇畫作在上海展出，存有遺憾，但是展覽仍可謂名家名作荟萃。在展覽正式開展前，不妨對其中的部分展品進行一番了解。
波提切利《聖澤諾比烏斯的三個奇迹》
《聖澤諾比烏斯的三個奇迹》是波提切利四幅系列畫作中的第二幅，講述了佛羅倫薩的守護神聖澤諾比烏斯的故事。波提切利展示了這位聖徒在佛羅倫薩街頭創造的三個奇迹。在最左邊的第一個場景中，他展示了聖徒——他是佛羅倫薩的主教——戴着主教法冠和白手套，驅逐兩個男孩身上纏繞的惡魔。在中心場景中，澤諾比烏斯讓一個躺在号啕大哭的母親腿上的孩子複活了。在最後一個場景中，澤諾比烏斯把他的手指放在一名盲人乞丐的眼皮上，治愈了他的失明。建築背景對佛羅倫薩當地人來說應該很熟悉：波提切利忠實地将這一場景設定在一處著名的廣場前，可以看到遠處廣場的深拱門很可能是現今佛羅倫薩仍然存在的聖彼得拱門（Volta di San-Pietro）。
拉斐爾《聖母子像與施洗者聖約翰（加瓦聖母）》
在《聖母子像與施洗者聖約翰（加瓦聖母）》這幅小畫中，拉斐爾描繪了聖子從他的表兄施洗者約翰之手接過康乃馨的時刻。康乃馨傳統上象征着神聖的愛和受難（基督的折磨和受難）。孩子們雙手之間的空間構成了金字塔式構圖的中心，暗示了精神在物質世界中的立足點。康乃馨和十字架的圖案預示着聖子的犧牲即将到來。聖母似乎陷入了憂郁的思緒中。也許她在考慮孩子們的命運。
這幅畫是拉斐爾在為教皇繪制梵蒂岡宮的房間時創作的幾幅中小型聖母像中的一幅。拉斐爾充分演繹出了母親懷抱的溫柔和畫中人皮膚的觸覺。這樣的畫面吸引着我們，使我們也受到感動，好像能感受到被擁抱着。
提香 《女子肖像（拉斯基亞沃納）》
提香在二十歲出頭的時候創作了這幅畫作，當時女性的私人肖像還很少見。我們不知道畫中人的确切身份，它可能不是一幅傳統意義上由威尼斯貴族委托而創作的肖像畫。這幅畫在17世紀被命名為《拉斯基亞沃納》（La Schiavona），意思是“達爾馬提亞女人”。
畫中女子神情泰然自若，目光威嚴，不像早期歐洲肖像畫中的任何女性。提香采用了新穎的創作手法，這張肖像描繪了人物身體四分之三的部位，尺寸接近真人大小。對于一張肖像來說，它非常大，從遠處就能産生強烈的視覺沖擊。
側面半身像的靈感來自古羅馬雕塑和浮雕，似乎代表了模特本人，但也可能是為了紀念她的家庭成員。這可能與那個時代關于繪畫和雕塑孰優孰劣的争論有關。牆上“T.V.”的字母縮寫代表蒂齊亞諾·韋切利奧（提香）。
卡拉瓦喬《被蜥蜴咬傷的男孩》
《被蜥蜴咬傷的男孩》描繪了一個柔弱的年輕人被一隻蜥蜴咬了一口，蜥蜴頑強地粘在他的手指上，他痛苦地退縮了的場景。前景是一幅壯麗的水果靜物畫，玻璃花瓶裡插着一朵玫瑰和一枝茉莉。仔細觀察，還可以在花瓶的弧面上看到房間的倒影。這幅畫可能意有所指，寓意愛情帶來的痛苦。
這幅畫可能是卡拉瓦喬于16世紀90年代中期在羅馬創作的，當時這位藝術家剛開始以其引人注目的創新風格而出名。對于一幅十六世紀晚期的畫作來說，展示這樣的動作瞬間是非常不尋常的，但卡拉瓦喬摒棄了藝術傳統，直接在畫布上繪制真人模特。這賦予他的作品一種即時性和張力，使它們即刻流行起來。這幅畫作在17世紀早期派生出了許多複制品，其中甚至有被認為是卡拉瓦喬本人創作的。
卡拉瓦喬短暫而動蕩的一生與他作品的戲劇性内外相呼應。他的畫作以誇張、戲劇性的光照為特點，具有争議性，卻備受歡迎，對整個歐洲的後輩畫家産生了巨大的影響。
桑索費萊托《祈禱的聖母》
這是一幅讓人無法移開目光的“聖母像”。深藍的鬥篷，淡粉的裙子，乳白色的頭飾配以樸素黑暗的背景——這幅虔誠的畫作讓我們仿佛與聖母同處一個房間裡，畫中的她低垂着頭安靜地祈禱。明亮的光線将人們的注意力吸引到她富有光澤的藍色衣物上，織物的褶皺由昂貴的群青色顔料繪制而成。
桑索費萊托是意大利巴洛克畫家，以對拉斐爾風格的執着追求而聞名，深受早期藝術家拉斐爾和彼得羅·佩魯吉諾作品的啟發。
凡·代克《約翰·斯圖亞特勳爵與其兄弟伯納德·斯圖亞特勳爵》
凡·代克的這幅真人大小的雙人肖像畫的倫諾克斯三世公爵的小兒子：約翰·斯圖亞特勳爵（Lord John Stuart）和他的兄長伯納德·斯圖亞特勳爵（Lord Bernard Stuart）。 他們大約隻有17、8歲，他們散發着貴族的氣質，穿着奢華。
凡·代克展現絲綢和緞子質地的能力令他的肖像在當時受到貴族的熱捧。 在這裡，他通過使用背景的清晰線條和柔和色調烘托出衣物的褶皺與豐富的色彩，進一步增強了效果。
在畫面中，他還強化了兄弟之間的張力。 他們站在一起，姿勢相接，兩個人的左手都放在臀上，軀幹分别轉向另一邊。 但是他們的視線不相交， 一個人被動地向後靠着，而另一個人，直接看向我們，向前邁出了一步，清晰地展現出腳邊的馬刺和劍。
倫勃朗《63歲的自畫像》
倫勃朗《63歲的自畫像》，你看向它時，正在看着一個生命最後一年的男人的眼睛。倫勃朗時年63歲，這是倫勃朗在1669年去世前幾個月所作的三幅自畫像之一。在他40年的職業生涯中大約留下了80餘幅自畫像，遠超他同時代的其他藝術家。他畫自畫像出于各種不同的原因：練習不同的表達方式，嘗試光的效果以及出售給富有的贊助人和收藏家。
在這幅畫作中，倫勃朗專注于描繪自己衰老面容的紋理和色彩。他右眼下方下垂的褶皺是由一把沉重的刷子旋轉而成的。他額頭上的瑕疵是由凝固的顔料斑點形成的。
在這幅畫像中，一些人從他那雙陰郁的眼睛中看到了疲倦和無奈，一些人看到了一絲自我滿足，另一些人則看到了一絲扭曲的會心微笑。許多後來的作家和藝術家都認為這是他自我審視過程的一部分——倫勃朗接受了死亡的臨近，以堅定的誠實去認識自己。但需要注意的是，在17世紀，人們對自我分析和大腦如何工作的看法與我們現在不同。倫勃朗創作的動機可能更直接——與其說是内省，不如說是對藝術挑戰的專業迷戀。
高更《窗前果盆和比酒杯》
高更最喜歡的畫作之一是塞尚的《高腳果碟、玻璃和蘋果的靜物》（1879年至1880年，現代藝術博物館，紐約），他在1880年左右獲得了這幅畫，作為自己的收藏。
這幅靜物畫是對那幅畫的緻敬，并重複了那其中的許多元素：水果、陶器、皺巴巴的桌布和右下方的斜放的刀。截斷的對角線筆觸和扁平化的透視，即前景和距離被折疊在一起，也讓人想起塞尚的作品。
畫作頂部的窄條和密集的建築排列共同組成了畫作的謎團。畫中窗框的加入似乎表明這附近是窗外的景色，但在清晰界定的大場景和旁邊較小的模糊圖像之間沒有連續性。目前我們還沒有确定具體的景色，它看起來更像是城市景觀，而不是布列塔尼的農村，不過在畫這幅畫時，高更在那裡度過了很長一段時間。
馬奈 《咖啡廳演奏會的一角》
19世紀中葉，咖啡音樂會在法國變得非常流行，吸引了各個階層的顧客。這些場所也是藝術家和作家，特别是那些與印象派有關的藝術家和作家的時尚聚會場所。從1872年到1883年去世，馬奈創作了許多作品，展示了當地流行的啤酒店、餐館、咖啡館和咖啡館音樂會的内部、露台和花園。
1874年8月，馬奈被萊希斯霍芬餐館女服務員的熟練所吸引，開始以餐館為場景進行大型畫作的創作。在創作過程中，他徹底改變了自己的計劃，将其一分為二，分别完成了每一半。這幅咖啡館快照一般的畫作是原本那幅大型畫作的右邊部分。左半邊畫作以Au Café為名，描繪了一個男人和兩個女人坐在桌子的另一邊，現收藏于瑞士溫特圖爾的萊因哈特美術館。盡管馬奈分别對每幅畫進行了重新加工，但仍然可以清楚地看到，它們是同一幅畫的兩半。例如，這張圖檔左邊的桌子與《咖啡館》（Au Café）右邊的桌子相連，玻璃杯和玻璃水瓶的陰影在連接配接處延續。
在英國國家美術館收藏的這幅畫作中，馬奈在右邊多加了一條畫布，擴大了畫作的規模并把女服務員帶到了構圖的中心位置。然後，他重新設計了背景，添加了舞台、舞者和管弦樂隊，它們的繪制方式比前景人物要松散得多。
《咖啡廳演奏會的一角》本身既是一幅畫，也是一個片段。對于畫作的主題來說，這個标題是非常合适的，因為馬奈為我們提供的隻是對這個世界的一瞥，而不是它的全景。
雷諾阿《浴者》
19世紀80年代以前，雷諾阿很少畫裸體畫。他于1881年前往意大利，在那裡他被羅馬雕塑和文藝複興時期的繪畫所吸引，這重新點燃了他以一種與古典傳統相呼應的方式描繪裸體的興趣。他開始更頻繁地創作人體主題，這幅《浴者》可能是他19世紀80年代後半期創作的一系列作品之一。
裸體畫主題的傳統可以追溯到古希臘神話，雷諾阿的作品中也明确反映出了古典裸體畫的悠久傳統。他還加入了一些明顯的當代元素，比如模特坐着的毛巾或裙子上的條紋面料，以及她正在整理（或解開）的頭發等都是當時的時尚之一。
梵高《長草地與蝴蝶》
梵高在法國南部聖雷米小鎮（St-Rémy）附近的聖保羅精神病院（Saint-Paul de Mausole）接受治療時，畫下了這片草地。在醫院的時候，他透過窗戶俯視着這小片雜草叢生的花園，以此創作了一些素描和繪畫。畫面中沒有地平線或天空，梵高幾乎隻專注于草地和一些白蝴蝶，但畫面頂部不十分顯眼的一條小徑創造出一種縱深效果。相較小徑形成的邊界，剩餘的空間是開放的，并可能延伸到畫布之外。草是用長長短短不同筆觸繪成的，就像描述中的成簇生長。
梵高對描繪自然細節的興趣可能受到了他所了解到的日本文化的影響，他在寫給提奧的信中曾提到，“聰明的日本人……他隻研究一根草。但這片草葉帶領他畫出了所有的植物——然後是季節，風景壯麗的景色，最後是動物，然後是人物……這些純粹的日本人生活在大自然中，就像他們自己是花一樣，他們教給我們的難道不是一種真正的宗教嗎？”。然而，在繪畫方面，梵高對自然的詳細研究，尤其是對植被和花卉的研究，在文藝複興時期的藝術和17世紀荷蘭繪畫中都有着重要的先例。
透納《海洛和利安德的離别》
約瑟夫·馬洛德·威廉·透納是英國最為著名的，且技藝最為精湛的藝術家之一。透納的油畫作品《海洛和利安德的離别》作于1837年之前，主題源自于古希臘文學家和詩人穆賽歐斯最著名的愛情詩歌《海洛和利安德》。海洛是阿佛洛狄忒的女祭司，利安德每個晚上遊過達達尼爾海峽與海洛相會，而海洛每晚用火炬為利安德指路。在一個風雨交加的夜晚，指路的火炬被暴風吹滅，利安德因迷路而被淹死，海洛悲痛交集也随之跳海。
這對戀人并不是畫中最大的人物。透納打破了曆史畫的傳統，曆史畫要求主要人物處于或接近畫面的中心。當利安德準備離開時，他們幾乎隐藏在水邊的陰影中。在他們上方的平台上，一個長着翅膀的丘比特把他的弓和箭袋扔在地上，舉着一盞燈和一個火炬。在他們周圍，透納用各種古典建築元素、寬闊的樓梯和巨大的馬賽克地闆建構了一個想象中的地點。在右邊，一座充滿異國情調的“摩爾式”塔，代表着土耳其海岸的阿比多斯，就在巨大的、參差不齊的岩石後面，幽靈般的海仙女聚集在這些岩石上。
正如透納的詩句所說，夜晚正在結束，因為“愛還在徘徊”。雖然剛剛破曉，但在動蕩的藍黑色天空中，一彎新月依然清晰可見。透納用黑暗和深深的陰影來加強場景的戲劇性，也許暗示了即将發生的悲劇。因為利安德離開了海洛，再也沒有回來。
（本文作品介紹據英國國家美術館官網和官方微信編譯、整理）